domingo, 24 de septiembre de 2017

El arte efímero explicado a los niños

La propia palabra que estamos utilizando para definir este tipo de arte, nos habla sobre su fugacidad, es decir, sobre expresiones artísticas que no duran en el tiempo, que no prevalecen sino que duran un tiempo determinado y después desaparecen sin poder conservarse, por ejemplo, en un Museo. Es una obra o una expresión que no se puede conservar.


Quizás lo primero que haya que hacer sea hablar de aquello que entendemos por arte, es decir, en la antigüedad el arte estaba unido a la belleza estética, tanto de los personajes como de los objetos representados. Pero esta idea comienza a cambiar a principios del siglo XX, donde las expresiones artísticas abandonan en muchos casos la belleza para transmitir una idea o un concepto que sirve como base para la comprensión de esa obra y le da carácter propio. Para entender lo que significa este tipo de arte, si podemos definirlo así, debemos cambiar nuestra mentalidad y pensar en él como algo que no es tangible, que existió en un momento determinado pero que no volveremos a disfrutar de él.
Vamos a poner un ejemplo simple de algo que sucedió en el año 1899, porque ese es el año de construcción de la Torre Eiffel coincidiendo con el aniversario de la revolución francesa y con la exposición universal que tenía lugar en París en ese mismo año. Esta torre estaba destinada a ser una obra de arte efímero, mas concretamente de arquitectura, ya que pensaba destruirse una vez finalizada la exposición. Pero el edificio gustó tanto que, una vez finalizada, decidieron conservarla, y como sabéis se ha convertido en un símbolo de la ciudad de París visitado por cualquier turista que se acerque a la ciudad. Una obra destinada a ser efímera se convirtió en permanente.


Pensemos ahora en un artista que realiza una acción o una performance, gente tan conocida como Joseph Beuys o Marina Abramovich, su obra dura el mismo tiempo que tiene lugar el evento, si no estás allí te lo vas a perder ya que sino no hay manera de apreciarlo. Bien es verdad que en muchos casos estos artistas juegan con la fotografía y el vídeo para dejar constancia de la acción que ha tenido lugar, obras estas que a falta de otro material se venden en el mercado del arte como recuerdo de eso que pasó y donde no pude estar o bien eso que este artista realizó en este lugar.
Igual puede suceder con algunas instalaciones que se realicen en Museos y que cambian de uno a otro, ya que los espacios serán distintos y habrá que adaptarlo y colocarlos de una forma u otra, creando una obra diferente en cada ocasión.
Hay algunas manifestaciones que tienen conexión con este tipo de arte y que son hechas para un momento y, como decimos, luego desaparecen. Por poner algunos ejemplos, pensemos en el peinado, es algo que no se conserva, al día siguiente y después de dormir el pelo no se conserva de la misma manera. La moda también nos sirve, muy asociada al arte en muchas ocasiones, permanece, mas tiempo que un peinado, pero como sabemos cambia cada temporada y lo que hoy es tendencia mañana puede cambiar y ya no sirve. Algo similar podríamos decir sobre el maquillaje o el Tattoo o el piercing. ¿Que pasa con la gastronomía? ¿Lo consideramos arte efímero? Porque el cocinero se afana en realizar una presentación lo más agradable posible o cargada de un discurso conceptual, pero eso va a desaparecer a los pocos minutos, se trata de una primera impresión que entra por los ojos y otros sentidos para desaparecer en nuestra boca al momento de ingerirlo.
Pensemos en el Grafiti, realizado como expresión artística, muchos ayuntamientos tratan de mantener sus ciudades uniformes y se dedican a pintar sobre estos grafitis que en su mayoría han sido realizados de forma ilegal. Es decir no están hechos para perdurar ya que pueden ser borrados en cualquier momento.


domingo, 17 de septiembre de 2017

¿Sabía pintar Pablo Picasso?

Algunas de las personas que observan los cuadros cubistas de Pablo Picasso a veces ponen en duda su capacidad como pintor. Ello es debido a que una de las características del cubismo es la simpleza en la composición de las formas que en muchos casos, las reducen a la mínima expresión. Por ello da la sensación que cualquiera puede repetirlo e reproducirlo sin problema ya que con unas simples líneas podríamos componer una figura u objeto. Pero todo tiene una explicación y de ello vamos a hablar en este post.


Ante la pregunta de si Picasso era buen pintor, la respuesta es que si. Si entendemos por un buen pintor alguien que domina la técnica y que es capaz de representar con realismo personas y objetos colocados en tres dimensiones. Si es así Picasso, como otros muchos artistas, tiene un perfecto conocimiento tanto de las técnica pictórica como de las proporciones de los personajes u objetos representados.
Esto podemos observarlo en algunas de sus obras de primera época. Sus primeros cuadros, que pinta con tan solo 16 años, son un buen ejemplo de dominio de la técnica. Se trata de dos obras de tipo costumbrista que realiza utilizando como modelos a personajes de su familia. Llevan por título "Ciencia y Caridad" y "La primera comunión" y en ellas podemos observar un perfecto uso de la pintura y sus proporciones, al mismo tiempo un realismo casi fotográfico y un detallismo típico de las pinturas costumbristas, que estaban de moda en España en la época en la que Picasso realiza estos cuadros, estamos hablando de una fecha cercana al año 1896. Picasso había nacido en el año 1881.
A partir de el comienzo del nuevo siglo Picassso abandona esta forma de pintar junto con algunas incursiones modernistas para adentrarse en la "etapa azul" que con el paso de los años desembocará en las formas cubistas cuyo primer cuadro fue realizado en el año 1907 con el título de "Las señoritas de Aviñon".


Como decía el cubismo tiene tres características principales, una es la reducción de las formas a líneas bastante simples, otra de ellas sería la eliminación de la tercera dimensión, observando en el cuadro solo ancho y alto, pero no profundidad. Y la tercera es la descomposición de formas y objetos con el fin de que puedan ser observados desde distintos puntos de vista. Todo con la idea de competir con la fotografía, la pintura, en esta ocasión Picasso, quiere ir más allá y ofrecer algo nuevo, completamente diferente, algo no visto hasta el momento y que la fotografía no pueda realizar, porque para hacer un retrato siempre la cámara será más perfecta que la mano del pintor. Pero descomponer una cara, por ejemplo, y observarla desde varios puntos de vista, para la fotografía es imposible porque su punto de vista será único.
Por tanto debemos concluir que Picasso sabía pintar perfectamente, pero que no quería ser un buen pintor más, sino alguien capaz de aportar algo a la historia del arte, un pintor revolucionario, alguien capaz de crear algo nuevo, diferente, algo no hecho hasta ese momento.


domingo, 10 de septiembre de 2017

La Torre de Pisa para niños

La torre inclinada de Pisa es en realidad un campanario construido para llamar a la gente a acudir a la Catedral de esta ciudad, situada en la zona de la Toscana, en Italia.
Una de las cosas que más llama la atención, incluso sobre la arquitectura del edificio, es la inclinación de la torre. Esta inclinación estuvo presente desde el principio. Parece claro que los cimientos no eran lo suficientemente sólidos para sostener el peso de la torre, a ello se unía la debilidad del terreno que tampoco tenía la estructura adecuada para este tipo de construcción. Hay que decir que la torre no se construyó toda de una sola vez sino que tiene diferentes fases de construcción, tres son las más importantes, esas pausas sirvieron en parte para intentar corregir la inclinación y para que el edificio fuera asentándose poco a poco en el terreno.
La construcción de la torre comenzó en época románica y, aunque fue terminada mucho más tarde, se respetó la estructura original del edificio.
Este consta de ocho plantas, la base se compone de una serie de arquillos ciegos que apoyan en columnas con unos capiteles corintios muy esbeltos. Este tipo de solución ya se había visto en el románico con finalidad decorativa en la zona de Como (en Italia) donde algunos maestros decoraban el exterior del altar de la iglesia con este tipo de solución. Esta decoración pasó a España y podemos observarla en iglesias del primer románico de la zona catalano-aragonesa, técnicamente esta forma de decorar los ábsides se conoce con el nombre de "bandas lombardas". Algunas de las iglesias más cconocidas son las de San Clemente de Tahull o el Castillo de Loarre en la provincia de Huesca.
La Torre de Pisa continúa con 6 cuerpos de arcos de medio punto, también muy elegantes apoyados en columnas de tipo corintio.
El piso superior es el piso de campanas donde también se utilizan este tipo de arcos aunque decorados con distintos colores ya que las dovelas de los mismos alternan colores blancos y negros. Siete son las campanas que encontramos en la parte superior cuya altura total es de 55 metros.
La torre se inclinó desde el principio y no ha parado de hacerlo hasta ahora. Desde 1990 tras un estudio de ingenieros y arquitectos han logrado quitando tierra de la base que la inclinación se pare, ya que era posible el derrumbe de la torre debido a la misma en poco tiempo. Según ellos tal como se encuentra ahora mismo puede aguantar sin inclinarse doscientos años más.


domingo, 3 de septiembre de 2017

¿Qué es un collage?

Estamos ante una de las técnicas artísticas más utilizadas en la actualidad pero no tan antigua en el tiempo ya que se viene realizando desde hace algo más de 100 años. Fue Pablo Picasso quien en 1912 presentó su obra Naturaleza Muerta con silla de rejilla, la cual se considera el primer collage de la historia del arte. 


La palabra collage es de origen francés, se trata de unir diferentes elementos que pueden ser imágenes, fotografías, recortes de prensa, papeles pintados o bien diferentes materiales (cuero, telas, cartón, plásticos, madera) que juntos forman una unidad que suponemos mantiene cierta coherencia.
Muchas de las obras del cubismo sintético están realizadas con esta técnica así que no solo debemos de hablar de Picasso porque Braque o el propio Juan Gris también utilizaron esta técnica.


Pero el collage no es algo exclusivo del cubismo, ya que otros estilos de vanguardia también van a utilizar el collage como método de creación de obras. Los dadaistas por ejemplo utilizaron el collage porque era una de las formas más simples de composición, al alcance de cualquiera que pudiera dedicarse al arte, desde un niño a un adulto sin conocimientos de composición. Es habitual encontrar en este tipo de obras combinaciones de diferentes fotografías y textos que serán retomados años más tarde por la estética punk a finales de los setenta, estamos hablando de artistas como Jamie Reid, que diseñó algunos de los singles de la banda Sex Pistols.
Pero también otros movimientos de vanguardia usaron el collage, por ejemplo el futurismo, el surrealismo, el constructivismo, el arte pop. Desde su nacimiento hay múltiples autores que se apuntaron al movimiento que se sigue utilizando en la actualidad. Artistas contemporáneos tan cotizados como Damien Hirst han utilizado el collage para algunas de las series de obras que le han hecho famoso y al mismo tiempo siempre son motivo de escándalo.
El collage más habitual se realiza con papeles pintados o cartulina que se colocan sobre el lienzo y se pegan habitualmente con cola blanca. 
Otro tipo de collage sería el que usa materiales sólidos bien sean maderas, metales de todo tipo, telas, juguetes viejos u objetos de desecho. El soporte debe ser consistente ya que no solo hay que sujetarlos sino también soportar el peso de los materiales incorporados.
El collage con pintura trata de combinar diferentes capas de pintura cada una de ellas con un grosor determinado, aunque puede incorporar otros materiales como viruta, serrín o plástico.


domingo, 27 de agosto de 2017

¿Qué es la pintura matérica?

Para centrar una fecha en la cual se practica este estilo debemos situarnos después de la segunda guerra mundial y dentro de las corrientes que surgen tanto en Estados Unidos como en Europa, estamos hablando del expresionismo abstracto y también de la corriente informalista. Dentro de esta última corriente deberíamos situar la pintura matérica, la cual tiene sus máximos representantes en países europeos como Francia, Italia o España.


Lo que define la pintura matérica, la misma palabra lo dice es la materia, elementos ajenos al cuadro tradicional que son incluidos en el mismo como si fuera un collage. Estamos hablando de la arena, la arpillera, restos de ropa, materiales de hierro desechados, madera, objetos de vidrio ya rotos. No solo se añaden estos materiales al cuadro sino que también se destruye el lienzo, realizando cortes y perforaciones que añaden dinamismo y nos ayudan a apreciar una tercera dimensión más allá del cuadro.
Jean Dubuffet puede ser un buen ejemplo de todo esto que estamos hablando, gracias a él hablamos del Art Brut o Arte Bruto, se trata de un tipo de arte realizado por personas no profesionales y en muchos casos que tienen problemas mentales, se encuentran en situación de privación de libertad o son niños. Se trata de un arte que no se atiene a normas concretas ni estándares ligados a las Escuelas de Bellas Artes, un estilo donde lo más importante es la libertad creativa sin importar el resultado estético final. Para ello se inspiraba en los dibujos realizados por los colectivos antes citados para crear sus diferentes series. Muchas de sus obras utilizaban materiales de desecho como el alquitrán, la paja, la arena. En ellos el cuadro se encontraba dañado o perforado, pero al mismo tiempo con una amalgama de texturas que le otorgaba a la obra un cierto relieve.


No es la primera vez que se incorporan materiales a la obra, recordemos que Picasso y otros seguidores del cubismo sintético habían incorporado materiales a la obra, en muchos casos creando un collage bien con papeles de periódico u otros tipos de papel o incluyendo objetos reales como hace Picasso en su Naturaleza muerta con silla de rejilla.
Pero no será el único movimiento ya que los dadaistas ya usaron también estos y otros materiales en sus obras. Los artistas matéricos partirán de estas ideas para recuperarlas e incluirlas en sus obras. 
En España uno de los artistas más destacados fue Manuel Millares cuya obra se vió truncada por su pronto fallecimiento. Algunas de sus obras reúnen todas las características de las que estamos hablando, como el uso de la arpillera en diferentes colores y los cortes o perforaciones en los cuadros que, como hemos dicho, dan dan un relieve y una idea de tridimensional a unas obras que son completamente abstractas, aunque traten de representar homúnculos o desechos humanos.


domingo, 20 de agosto de 2017

Ignacio Zuloaga para niños

Zuloaga es un pintor que vive la transición entre los siglos XIX y XX en España, aunque parece ajeno a lo que sucede en Euorpa durante los primeros años del siglo XX, cuando numeroso estilos que conocemos como movimientos de vanguardia, traten de revolucionar el arte y darle un nuevo sentido con estilos como el cubismo, el fauvismo, el futurismo o la pintura abstracta.


Si tenemos que definir el estilo en el que trabaja Zuloaga diremos que es un pintor con fuerte influencia del realismo y del costumbrismo. Este último estilo tuvo mucha repercusión en muchos pintores españoles y el propio Pablo Picasso lo practicó en sus obras de juventud. Pero si Picasso fue capaz de evolucionar buscando nuevas metas para la pintura, Zuloaga parece un pintor mas estancado en la representación de personajes populares, a veces bastante rudos, en sus obras.
Frente a los pintores alegres que trabajan en la misma época. Es decir frente a la corriente luminista representada por Sorolla, máximo representante español del impresionismo, Zuloaga se acerca más a una visión adusta y un tanto trágica de los personajes que representa, normalmente con tonalidades oscuras, quizás influido por una corriente trágica representada por artistas como José de Ribera y sus martirios o Francisco de Goya y sus desastres de la guerra y pinturas negras. Todo ello sin olvidar a otro maestro que trabaja en la misma época y que también transmite esta visión trágica, acorde con las ideas de la generación del 98, en muchos de sus trabajos, estamos hablando de José Gutierrez Solana.


Zuloaga era de origen vasco, provenía de una familia de artesanos, aunque pasó gran parte de su vida en Castilla y León, concretamente en Segovia y también en la villa de Pedraza donde poseía un castillo. Su formación la realizó tanto en España como en el extranjero, ya que viajó para formarse tanto a París como a Roma.
El realismo bastante crudo es una de las referencias de su obra, sobre todo en la representación de Castilla, donde lo dramático adquiere un papel principal en su obra. 
Al igual que Goya fue un gran aficionado a los toros e incluso trató de ser torero como el genio aragonés pero sin mucho éxito, así que también podemos observar este tipo de temática en alguno de sus trabajos, con la misma crudeza, en muchos casos, que en la mayoría de su obra.
El urbanismo tampoco es ajeno a su trabajo, ya que en sus diferentes retratos o representaciones populares, los edificios forman parte del paisaje, integrándose con la obra. Se trata de múltiples edificios que existían en los distintos pueblos del España.
El realismo crudo de su obra no hace que los personajes pierdan su dignidad pese a su condición de pobreza.
Zuloaga falleció en el año 1945.


domingo, 13 de agosto de 2017

La pintura prerrafaelista explicada a los niños

La fundación de este grupo se produce a mediados del siglo XIX, concretamente en 1848, en la ciudad de Londres y no es un movimiento dedicado exclusivamente a la pintura, ya que tenemos otras representaciones que abarcan la poesía o la crítica literaria. Este grupo como tal duró apenas cinco años, pero su influencia se extiende a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX y en la Inglaterra del siglo XX.

John Everett Millais. Cristo en casa de sus padres

Lo que pretenden los prerrafaelistas es rechazar el academicismo que imperaba en la enseñanza inglesa en ese momento, ya que sus representantes solo se dedicaban a perpetuar el movimiento manieirista que se había producido tras pintores como Miguel Angel y Rafael con composiciones idealizadas y cargadas en muchos casos de decoración, alejadas por tanto del realismo y con un uso del colorido muy llamativo y abigarrado.
Por tanto lo que los prerrafaelistas quieren es un retorno al realismo cargado de detalles y también un uso del color que recuerde a las figuras anteriores a Rafael y Miguel Angel, buscando su inspiración en artistas del Quattrochento y del Trechento italiano, así como otros artistas flamencos de inicios del renacimiento.

William Holman. El pastor distraido

Tampoco descartan la inspiración medieval en muchas de sus obras, basando los temas en numerosas leyendas de esa época y también en temas relativos a la mitología clásica. El realismo y la visión romántica de la naturaleza también les sirven como fuente de inspiración.
Una cosa interesante es que ellos creen en la liberación del artista y en la libertad creativa para poder representar lo que mejor le parezca sin depender de un encargo. Esta corriente que tiene su germen a mediados del siglo XIX se acabará imponiendo por la adhesión de artistas de diferentes movimientos.
La naturaleza será uno de los elementos más importantes, en muchos casos llegando a compararse con la fotografía por el nivel de detalle con el que era representada. Ese hiperrealismo es una de las señas de identidad del movimiento. Junto a ello la presencia del color, que debía ser exactamente igual que el representado al natural.

Dante Gabiel Rossetti. Beata Beatrix