domingo, 22 de enero de 2017

¿Que es un contrafuerte y cuando se utiliza en arquitectura?

Hoy vamos a hablar de uno de los elementos estructurales más usados a lo largo de la historia de la arquitectura. Un elemento que ha dejado de usarse cuando el hierro o el acero comenzaron a formar parte de las estructuras de los edificios en los pilares del mismo o en los elementos sustentantes.

Contrafuertes de la iglesia de San Miguel de Lillo en Asturias

El contrafuerte ha sido usado por muchos estilos artísticos, los romanos lo usaban, de hecho en nombre viene de una palabra romana. Tras la caída del imperio romano los diferentes estilos anteriores al año 1000, pese a la tosquedad de muchas de sus obras usaban en contrafuerte en el exterior de sus edificios, tenemos unos ejemplos bellísimos en la arquitectura asturiana. Pero será durante la época románica y gótica principalmente cuando se hagan más evidentes en el exterior de las iglesias y catedrales ayudados durante el gótico por otros elementos como los arbotantes o los pináculos.
La función del contrafuerte sería la de ayudar al muro a sostener el peso que sobre él ejerce la bóveda o bien el tejado a dos aguas que cubre el edificio, sirve para ayudar a resistir el empuje que se ejerce sobre los muros.

Contrafuertes del Monasterio de las Huelgas en Burgos

El contrafuerte además refuerza el muro y lo mantiene en la misma posición vertical, ya que el empuje ejercido por las bóvedas puede hacer que se deforme debido a la distribución de fuerzas de empuje, en muchos casos otros elementos, como los pináculos, ayudan a mantener la línea recta en los propios contrafuertes y que estos no sufran deformaciones debido al gran peso ejercido por las bóvedas.
Como vemos es un elemento que cumple una función muy importante en la arquitectura, normalmente lo asociamos a la época medieval pero también se ha usado en otros momentos históricos. Con la llegada del renacimiento Bruneleschi cambiará este planteamiento sobre la distribución de cargas con la construcción del Duomo de Florencia.

Contrafuertes, pináculos y arbotantes en época gótica

miércoles, 18 de enero de 2017

El arte ingenuo de Yayoi Kusama

Esta artista japonesa es una de las más reconocidas actualmente en el mundo del arte contemporáneo. Podemos observar como sus obras, muy simples en algunos casos, conectan perfectamente con los niños y con el trabajo que ellos pueden realizar en el colegio, reproduciendo obras de esta artista.


Yayoi Kusama nació en el año 1929, como vemos ya no es una joven prometedora, sino que tiene una larga carrera artística bajo sus espaldas. Estudió en Kyoto en una edad muy temprana, pero el estilo de pintura tradicional japonesa no le atraía demasiado y decidió salir del país en busca de nuevas formas de realizar su trabajo en el cual los puntos de colores juegan un papel importante.
Para ello se trasladó a Estados Unidos y allí entra en contacto con el expresionismo abstracto y también con el arte pop, que quizás es quien mejor define su trabajo. Colaboró activamente con artistas americanos del momento, llegando a exponer junto a Andy Warhol en la ciudad de Nueva York.


Resulta complicado definir el trabajo de Yayoi Kusama, quizás sea una de las primeras artistas en fusionar conceptos artísticos, como por ejemplo la pintura y la escultura, que podemos apreciar en muchos de sus trabajos. La pintura no se adapta a un marco concreto sino que lo desborda llenando tanto los objetos que componen la obra, como las paredes del cubo donde está situada. Se trata de una hibridación que conecta perfectamente con una de las características del arte contemporáneo actual donde los límites entre las disciplinas son tan débiles que a veces no se distingue lo que una obra puede ser.
Pero hablamos de pintura y escultura cuando Yayoi Kusama también se dedicó en su época americana al happening y la performance. Es muy conocido el evento en el que pintaba el cuerpo desnudo de algunas personas con sus característicos puntos de colores al tiempo que quemaban una bandera americana para protestar contra la guerra de Vietnam.


El punto por tanto es clave en su obra, de diferentes tamaños o colores, un elemento que la artista reivindica, comparándolo en muchos casos con la figura del sol y los diferentes plametas, que no son más que puequeños puntos en el universo, millones de galaxias cada una con millones de planetas y cada uno de ellos representado en un punto. También dice la artista que al contemplar un día un mantel, los puntos del mismo se extendían por la habitación, dando forma a lo que sería su propia obra, un universo alternativo donde la artista se encuentra bien y al mismo tiempo, pese a su simpleza, llena de originalidad unas obras que son claramente reconocibles.
Quizás sea el arte y el poder realizar sus obras lo que ha mantenido con vida a Yayoi Kusama. En el año 1973 regresó a Japón y se internó voluntariamente en un sanatorio mental, donde permanece como residente desde entonces. Olvidada al principio, ha sido recuperada a finales de los 90 porque su idea de arte contemporáneo como decimos encaja perfectamente en la estética actual. Desde entonces ha realizado varias exposiciones internacionales que han sido ampliamente aceptadas y reconocidas por el público. Y es que resulta realmente fácil conectar con su trabajo.


domingo, 15 de enero de 2017

El pintor Andrea Mantegna para niños

Nos encontramos ante uno de los grandes artistas del Quattrochento italiano que tiene una personalidad propia a la hora de componer la figura humana, tanto que la hace fácilmente reconocible siendo un pintor con gran influencia no solo en su lugar de residencia sino en toda Italia.


Los orígenes de Mantegna son bastante modestos, aunque tuvo una vida larga para la época, nació en 1431 y murió en 1506, son 75 años de vida y producción artística. Parece que se dedicó al trabajo desde muy joven ya que se dice que cuidaba ganado, pero será a los 10 años cuando acceda a un taller de pintura del artista Francesco Squarcione. Allí se darán cuenta enseguida de su gran talento sobre todo a la hora de realizar el dibujo y la figura humana. 
Con este pintor realizará varias obras, muchos eran encargos que recibía su maestro el cual mandaba a sus discípulos más destacados a realizarlos. El taller se encontraba en la ciudad de Padua, parece ser que en un momento artístico muy destacado, donde los encargos eran muy numerosos e importantes.
Lo que ocurre es que Mantegna se cansó de que su maestro le utilizara tanto a él como a su talento para realizar obras con su nombre y decidió independizarse cuando tan solo contaba con 17 años. 


Esto no ayudó mucho a la relación ni tampoco que Mantegna se casará con la hija de uno de sus rivales pictóricos en la zona, hablamos de Jacopo Bellini. Uniéndose a esta familia contaba con un gran apoyo, los hermanos de su esposa Giovani Bellini y Gentille Bellini serán grandes artistas reconocidos del momento y eso también le sirven a nuestro protagonista para abrir puertas, aunque como decimos ello le costara la relación con su maestro qe ya venía deteriorada de antes.
En 1459 se traslada a la ciudad de Mantua y allí va a residir el resto de su vida, protegido por la familia Gonzaga, que ejercerán como mecenas de muchas de sus obras.
Mantegna tuvo siempre mucho interés por la escultura clásica y dibujaba las formas de las esculturas con gran maestría. Esta influencia se nota en su obra. Se dice que muchas de sus representaciones humanas parecen esculturas que tienen unas proporciones perfectas a las cuales les otorga una gran expresividad. Nuestro artista trata de trasladar la belleza de las obras clásicas a sus pinturas, en las cuales la figura humana tiene un papel esencial.


miércoles, 11 de enero de 2017

El cubismo sintético explicado a los niños

El cubismo pasa por diferentes fases en un cambio constante desde su inicio en el año 1907 hasta su conclusión final, que tiene lugar con el inicio de la primera guerra mundial en el año 1914. Tras esta fecha otros pintores podrán practicar o experimentar con el cubismo, pero ya no se producirán avances ni cambios en esta forma de expresión pictórica.

Pablo Picasso 1914. Naturaleza muerta verde

En las dos fases anteriores teníamos el inicio del cubismo reaccionando de forma fuerte contra la fotografía, eliminaba la tercera dimensión, reducía a lineas los cuerpos de las personas y los objetos y descomponía alguna de las figuras para poder ser observada desde distintos puntos de vista.
La segunda fase es la del cubismo analítico donde se le da una gran importancia a la descomposición, de manera que nos es muy difícil reconocer aquello que se trata de representar, porque la geometrización de descomposición es tan grande que prácticamente parece un cuadro abstracto.
La tercera fase del cubismo estaría representada por el cubismo sintético, que abarca los años 1912-1914, donde Braque juega un papel importante en su inicio, ya que fue él quien comenzó a pegar papeles decorados en la pintura, como si fuera un collage. Es común observar papeles de periódico en las obras de este periodo, así como papeles pintados con diferentes colores, que ayudan a componer su trabajo.

George Braque. Clarinete, guitarra y frutero

Aparecen las líneas curvas frente al hermetismo recto de las fase anteriores.
Si en la fase anterior del cubismo analítico los colores eran completamente planos y en muchos casos se reducían a una gama de grises y ocres, en esta fase los colores serán mucho más vivos con la incorporación de rojos, verdes y azules.
Estas obras son más fáciles de reconocer que las anteriores, si en el cubismo analítico las obras tienden a la abstracción, ahora es posible reconocer los objetos, aunque se reducen solamente a sus partes esenciales, pero es posible que nuestra mente los pueda asociar de forma más simple que en el periodo anterior.
Serán múltiples los objetos que forman parte del collage, hemos citados los papeles de periódico, pero también encontramos cajetillas de tabaco, papeles que decoraban las paredes de las viviendas, partituras de música, cajas de cerillas, cartas de una baraja. Estos elementos se mezclan con otros tradicionales, como los brochazos pictóricos.

George Braque Violeta de Parma

domingo, 8 de enero de 2017

El cubismo analítico explicado a los niños

El cubismo surgió en el año 1907 cuando dos pintores, Pablo Picasso y George Braque, llegarán a la misma conclusión en un momento muy parecido. Aunque los dos están muy próximo en el tiempo será Pablo Picasso el que sea más conocido de los dos, aunque no solo crean un cuadro cubista sino que continúan con unos experimentos similares después de esa fecha.

George Braque. El Portugués

Debemos partir de la base de las características que tiene el cubismo para comprender este movimiento analítico, las aportaciones de este movimiento se centran en: la desaparición de la tercera dimensión, la simplicidad en las formas que se reducen al mínimo y la descomposición de las figuras y objetos para que sean observados desde distintos puntos de vista.
A partir del 1909 Picasso y Braque van a experimentar y avanzar en el desarrollo del cubismo y así surgirán dos tendencias, el cubismo analítico y el cubismo sintético. El primero que es el que a nosotros nos interesa hoy lo primero que hace es reducir la gama de colores, cuando miramos algunos de estos cuadros nos da la impresión de que solo han utilizado el color gris y alguna tonalidad ocre.
Ahora mismo lo importante para ellos es la descomposición de la realidad, tanto de figuras como de objetos. Todo se reduce a formas geométricas que colocadas en el cuadro hacen que sea difícil una identificación de lo que se trata de representar, entre otras cosas porque la tendencia es hacer un cuadro abstracto. Puede ser que algún detalle nos indique algo, una corbata, la nariz de la cara, una botella, las letras de un periódico, pero el resto es completamente ilegible para una asociación mental con algo reconocible. Los puntos de vista se reproducen y en muchos casos se hacen tan pequeños que confunden al espectador.

Pablo Picasso. Retrato de Ambroise Vollard

La figura humana dejará de ser el centro de atención y solo se utiliza como una excusa para comunicar, se trata de un mero objeto, difícil de diferenciar del mobiliario, una botella o un periódico que se encuentra sobre la mesa. Pero al mismo tiempo se busca la implicación del espectador que debe indagar y descubrir en el cuadro cuales y como son esos objetos representados. El color, prácticamente monocromo, no ayuda mucho a la identificación.
Hubo diferentes críticas a esta tendencia, sobre todo por parte del futurismo, que decía que le faltaba el movimiento y la velocidad que impregnaban los tiempos modernos. Para ellos este estilo de pintura era demasiado estático. Existirán intentos por unir las dos tendencias como en alguna de las obras de Marcel Duchamp (Desnudo bajando la escalera).
Lo que los futuristas y otros movimientos de vanguardia no podían negar es la influencia que sobre ellos tuvo el cubismo como primer gran movimiento de ruptura con la forma tradicional de pintura que se venía practicando desde el Renacimiento.

George Braque

domingo, 1 de enero de 2017

El artista Jeff Koons para niños

Podríamos decir que Jeff Koons es la ultima arista que forma el cuadrado de los artistas contemporáneos mas cotizados y polémicos de la actualidad. Un grupo que estaría formado por Damien Hirst, Takashi Murakami, Maurizio Cattelan y nuestro protagonista de hoy.


Como ocurre con los artistas anteriores resulta complicado definir la obra de Jeff Koons y decir que trabaja en un estilo concreto. En muchos casos existe una gran cantidad de soportes y materiales utilizados en su trabajo que complican el encasillamiento al que estamos acostumbrados en nuestra sociedad.
Antes de dedicarse profesionalmente al arte trabajó como broker en Wall Street, aunque posee estudios artísticos que realizó en la ciudad de Chicago. Pero fue el dinero ganado en bolsa lo que le permitió abrir un estudio donde poder desarrollar sus ideas, este estudio se encuentra en la ciudad de Nueva York. En principio comenzaron trabajando con él 30 personas, pero han llegado a trabajar allí 160, desarrollando todas las ideas, en muchos casos obras monumentales, pensadas por el artista.


Como ocurre con otros artistas tan famosos la polémica suele acompañar su trabajo, ante algunas de sus creaciones puedes tener la sensación de que el artista nos está tomando a todos el pelo, pero al mismo tiempo se trata del artista vivo que ha logrado mas dinero por una de sus obras en una subasta, se llegaron a pagar 44 millones de euros por una de sus obras, así que esa polémica lo mismo ayuda como siempre a incrementar el valor de su trabajo. De hecho ha colaborado con algunos de los iconos actuales como Lady Gaga para la que diseñó la portada de su disco Art Pop. Estuvo casado con la actriz porno italiana Cicciolina, ahora están separados pero tienen un hijo en común, con ella realizó una sus series fotográficas más polémicas.


¿Donde se encuentra su trabajo? Pues es una pregunta difícil. Podemos decir que el pop es un elemento muy importante, ya que muchas de sus creaciones recurren a objetos tradicionales de consumo, pero la época del pop fueron los años 50 y 60 principalmente, estaríamos hablando de un momento neo pop.Son muy curiosas por ejemplo las creaciones hinchables, de tamaño monumental, que recrean las formas que con globos los payasos crean en las fiestas de los niños o bien los mimos en la calle.
¿Puede el consumo masivo transformarse en una obra de arte? Esta es la base del trabajo de Jeff Koons en el momento en que comienza a desarrollar su trabajo en los años 80, bajo un ambiente en que las necesidades básicas están cubiertas y existe una avalancha de consumo de todo tipo de objetos quizás innecesarios. Serán estos objetos cotidianos y carentes completamente de valor los que integren algunos de sus trabajos. Juguetes, muñecos, figuras de pin-up o el mismísimo Michael Jackson con sus polémicas son algunos de los temas que más observamos en su obra.
Hay quien define su trabajo como conceptual, quizás todos estos objetos sirvan como una máquina de reflexión para una clase media que ve reflejado en la obra de Koons sus manías y obsesiones de conseguir fama, dinero y en muchos casos poder. Otros en cambio califican su obra como minimalista.


domingo, 25 de diciembre de 2016

El Coliseo de Roma para niños

La arquitectura romana es una continua fuente de inspiración a lo largo de la historia del arte. A veces sorprende como estos artífices podían tener unos completos estudios de ingeniería en unas fechas en las que los demás pueblos se encontraban en la ignominia. Pero junto a un sangriento despliegue militar por el mundo, se desarrolló un poderoso avance cultural que abarcaba todo tipo de artes, entre ellas la arquitectura.


El Coliseo de Roma es el anfiteatro de la ciudad, recibe su nombre por una estatua de un coloso que se encontraba cerca del edificio. El que conservamos en la actualidad fue realizado en el siglo I d.c. durante la época imperial. Antes existieron otros pero no se han conservado o han sido destruidos.
Era el lugar destinado para realizar los espectáculos, en muchos casos sangrientos, que tenían lugar en la ciudad de Roma. Fue utilizado en muchas ocasiones como elemento de distracción del pueblo para que no pensaran en cuestiones políticas o militares que tenían lugar en el seno de la ciudad de Roma. Panem et circense es una frase que se ha utilizado para hablar sobre esa distracción ya que regularmente se repartía pan entre los que acudían a ver los espectáculos.
Luchas de gladiadores, luchas entre hombre y animal o entre diferentes animales, carreras de cuádrigas son algunos de los eventos que podían contemplarse en el lugar. Por debajo de la arena se situaba una estructura de madera debajo de la cual había gran cantidad de túneles y celdas donde se situaban los gladiadores y los animales que podían salir al exterior a través de rampas o siendo elevados con otras estructuras de madera, un efecto de sorpresa que cautivaba al público asistente.


El edificio tenía capacidad para albergar a 50.000 personas, quizás una cifra que no dice mucho en la actualidad, pero que se trata de un número descomunal de personas hace dos mil años. Las gradas estaban preparadas para albergar a las diferentes clases sociales, situándose la parte dirigente lo más cerca posible de la arena y los menos afortunados en la parte superior del edificio, los precios eran más baratos cuanto más alto y lejano te encontrabas de la arena.
Durante la Edad Media dejó de utilizarse y muchas de sus piedras se cogieron para formar parte de otros edificios, aunque si se conserva es gracias a que se paró este expolio debido al gran número de cristianos que fueron martirizados en el lugar y que fuera considerado como un cementerio que debía recordar a todos esos muertos.
Arquitectónicamente es un prodigio de la ingeniería. El edifico contaba con un despliegue de todo tipo de arcos y bóvedas que se situaban a lo largo de los cuatro pisos que tenía el edificio, mas el subsuelo, que, como hemos dicho, se encontraba repleto de galerías y habitaciones. Al exterior se podían apreciar cuatro pisos que respetaban la disposición clásica en las columnas y pilastras que lo adornan. Así en el primer piso de disponían columnas de orden toscano (muy similar al dórico) que separaban los arcos de medio punto que lo componían, en el segundo piso las columnas eran de orden jónico, en el tercero corintio y en el cuatro no existían arcos sino estructuras cegadas y el orden de las columnas era compuesto (es decir una mezcla entre jónico y corintio). Esta estructura se repetirá en la época clásica del renacimiento cuando las obras traten de imitar la arquitectura griega y, sobre todo, romana.