domingo, 19 de noviembre de 2017

Fernando Botero para niños

Este artista colombiano es uno de los más reconocidos a nivel mundial tanto por sus obras pictóricas como por sus masivas esculturas que adornan las calles de las principales ciudades del mundo. A caballo entre Europa y América, actualmente cuenta con 85 años de edad.


Es imposible negar que sus obras tiene una personalidad propia, muy fácil de reconocer por cualquiera que pueda verlas. Esas figuras tan grandes, corpulentas, excesivas son fáciles de identificar tanto por adultos como por niños. 
Hay varias influencias que podemos tener en cuenta en la obra de Fernando Botero, por una lado el arte pop un estilo en el cual se siente cómodo y donde encuentra su propia personalidad. También hay una cierta influencia clásica en su obra, algunas de las obras fuertes realizadas por Miguel Ángel o sus seguidores tienen algo que ver con las obras de Botero. Recordemos que Picasso después de ver un viaje a Italia y observar el trabajo de Miguel Ángel tuvo una fase clásica allá por 1917-1918 en el cual algunas de las figuras tienen grandes semejanzas con las que realiza Botero. Así que no solo encontramos la influencia del maestro florentino en la estética de Botero sino también de muchos de los artistas y obras del renacimiento italiano.


Quizás una de las claves de su éxito es que su obra, pese a encontrarse entre los creadores de arte contemporáneo, es fácil de comprender, muy directo, muy claro y conecta de forma sencilla con las familias, tanto adultos como niños.
Tiene varias obras dedicadas al mundo de los toros, ya que es un gran admirador de la fiesta. Le ocurre como a otros artistas que también admiraron este espectáculo, hablamos de artistas como Francisco de Goya o Pablo Picasso.


Siempre se le ha acusado de pintar gordos y gordas, se trata de una visión diferente de la realidad que le lleva a expresar con estos personajes una visión irónica del mundo. Muchas de sus obras tratan temas costumbristas bajo la visión tan personal que hemos descrito. Se trata de escenas que pueden identificarse de forma fácil, un retrato en el campo, una representación de la familia en el interior de la casa, un baile en una fiesta popular o un bodegón.


domingo, 12 de noviembre de 2017

Blanco sobre Blanco de Kazimir Malevich

Para comprender mejor esta obra debemos situarnos en el momento preciso que se realiza y también conocer un poco la evolución artística de este autor que con esta obra concluye un proceso del movimiento suprematista cuyo manifiesto se había presentado en el año 1915.


Así que estamos en la segunda década del siglo XX donde hay una efervescencia de movimientos artísticos que se dan cita en Europa con diferentes manifiestos y exposiciones que van a influir de una u otra manera a los artistas que trabajan en este momento. Al mismo tiempo en la zona de nacimiento del artista (que era Ucraniano) se produce la revolución soviética que trata de imponer un nuevo estilo de vida en una Rusia ligada a los zares desde tiempos remotos.
Kazimir Malevich pasa por varias etapas pictóricas que comienzan con la influencia impresionista, pero serán dos los estilos que van a llevarle hasta el suprematismo, en concreto serán el cubismo y la reducción de las personas y objetos a formas geométricas creadas con líneas y también el futurismo con sus ideas acerca de expresar el movimiento en pintura debido a la velocidad y los avances técnicos que se están produciendo en esa época en diferentes países. Hay un cuadro que se llama "El afilador de Cuchillos" realizado en el año 1912 que resume perfectamente la unión de estos dos movimientos.


El suprematismo no nos habla de figuras ni objetos sino que nos habla de la pureza de la pintura, de la esencia de la misma, se trata de representar formas y colores. Los sentidos deben concentrarse en las formas y en la esencia de la pintura, no en la representación de ningún otro tipo de representación. Se trata por tanto de una sensibilidad nueva, diferente a lo representado hasta el momento, a la copia de elementos tomados de la naturaleza.
Las formas se definen en planos geométricos y también en color. No existe ningún tipo de profundidad, tampoco puntos de fuga. Se trata de algo trascendente, único, casi conectado con la divinidad y una nueva forma de religión. Es curioso pero la observación de la obra puede colocarse en horizontal o en vertical y en cualquiera de ellas la obra tiene sentido porque hablamos de formas y color no de posición.
La obra de la que hablamos hoy Blanco sobre Blanco fue realizada en el año 1918, no es una obra muy grande ya que mide 80x80 cm. Digamos que esta obra es la culminación de la estética suprematista. La superficie del mismo es completamente blanca que se trabaja en toda la superficie del cuadro donde se utiliza un solo pigmento en dos diferentes tonalidades pero sin recurrir a ninguna referencia, forma o figura. La obra como vemos no tiene ningún tipo de profundidad. La idea del autor al utilizar el color blanco es introducirse en la representación de la nada, el vacío total sin fondo, sin perspectiva sin idea de arriba o abajo, la esencia de la pintura.
Hay una cosa muy curiosa y es que Malevich después de pintar esta obra no volvió a pintar más, porque había encontrado el culmen de sus investigaciones estéticas, se dedicó a la enseñanza y a escribir para así poder transmitir cuales eran sus ideas sobre el arte.


domingo, 5 de noviembre de 2017

¿Qué es el body art?

Para comprender lo que es el arte del cuerpo debemos alejarnos de los procesos tradicionales de composición artística. Estamos habituados a asociar las representaciones artísticas con la pintura y el óleo sobre lienzo que es su modo principal de representación. Igual ocurre con la escultura donde la diferencia está en el tipo de materiales que se utilizan, por ejemplo mármol, madera, bronce.


Para entender lo que es el body art tenemos que tener en cuenta que el soporte que se va a utilizar es el propio cuerpo.
Debemos situarnos a finales de los años 60 cuando esta forma de expresión adquiere su mayor desarrollo. En muchos casos las expresiones de body art están unidas al arte conceptual y también al mundo de la performance
Como se utiliza el cuerpo como medio de expresión, es difícil obtener un objeto físico que pueda trasladarse a un museo. La mayoría de estas expresiones artísticas son documentadas, bien en fotografía o en vídeo. Esas serían las maneras de exponer estas obras, una simple documentación de la expresión realizada.

Ricardo Corona. Imagen creative Commons

Quizás pudiéramos asociar este tipo de expresiones con algunos rituales que se celebraban en diferentes tribus, podían ser relativos a la pertenencia al grupo o bien rendir culto a los diferentes dioses. 
Uno de las expresiones más conocidas es pintar sobre el propio cuerpo realizando sobre el mismo todo tipo de dibujos. Pueden ser figuras u objetos o en otros casos figuras geométricas se rellenan con diferentes colores.
Aunque esta puede ser la forma más común de representación en la que, como decimos, el cuerpo es el soporte para la obra. Pero hay otras formas de trabajar sobre el cuerpo. Podemos encontrar artistas que dañan su cuerpo realizando diferentes tipos de herida sobre el mismo. También se realizan tatuajes con motivo de la acción artística o diferentes tipos de piercing.
Así que en algunos casos los temas aparecen ligados a la violencia, al simple exhibicionismo, a temas relativos a la resistencia corporal, la sexualidad o fenómenos de tipo físico. El cuerpo se utiliza como un simple instrumento, en algunos casos llevándolo al límite del sufrimiento. Estos temas relacionados con el dolor y la resistencia tuvieron mucho más éxito en Europa que en otras zonas del mundo.
Deberíamos observar una influencia del dadaismo en todo este tipo de representaciones.

Imagen libre de derechos. Tatoo

domingo, 29 de octubre de 2017

La Venus de Willendorf para niños

Estamos ante una de las esculturas más antiguas de la humanidad ya que la fecha de datación se encontraría entre el 28.000 y el 25.000 a.c. La obra lleva el nombre del yacimiento donde fue encontrada en Willendorf (Austria) y se conserva en el Museo de Historia Natural de Viena.


Es curioso el nombre de la figura. Junto a su lugar de procedencia se ha colocado la palabra Venus. Esta diosa romana representa la belleza, según la mitología fue elegida por Paris como la más bella de todas las diosas a cambio de recibir a Helena, la mujer más bella de la tierra en ese momento. Es decir la diosa Venus ha estado asociada al concepto de belleza a lo largo de la historia. También su imagen se ha asociado al pecado debido al deseo que produce su figura, encontramos numerosos ejemplos de ello en el Renacimiento.
Lo que queremos decir es que se le ha dado a esta figura el título de Venus cuando en realizar se encuentra alejada del concepto tradicional de belleza. Algunos estudiosos quisieron asociar esta figura con la idea del canon que sería habitual en ese momento prehistórico para una mujer. Pero esta idea no tiene mucho sentido, ya que desconocemos cual sería ese canon debido a la falta de documentación. Muchas veces se asocia cosas que desconocemos con suposiciones que tienen que ver con temas relativos a la religión, la caza, la agricultura, la fertilidad o la muerte.
Junto a ello hay personas que lo han identificado con la madre tierra aunque puede estar asociado también a la idea de seguridad y bienestar para la familia que lo posee.


Lo que si es cierto es que se trata de una figura de una mujer desnuda y sobrada de carne tanto en el vientre como en los glúteos. Los órganos sexuales de la figura aparecen muy destacados. Contrastan las piernas que tienen una perfecta fisonomía con unos brazos excesivamente pequeños y cortos que la mujer apoya sobre sus pechos. También es curioso el detalle del ombligo que destaca mucho en el conjunto de la figura.
En cuanto a la cara no podemos apreciarla porque se encuentra cubierta por un extraño peinado que no nos permite ver ojos, nariz o boca.
Tampoco debemos pensar en una gran figura porque en realidad no mida más de 10 cm de alto por 6 cm en su parte más ancha. Se trata de una figura para llevar en la mano de forma fácil

domingo, 22 de octubre de 2017

Julie Mehretu y la pintura del caos

La artista de origen etíope aunque afincada en Nueva York Julie Mehretu se presenta como una de las grandes pintoras contemporáneas. No solo ha llamado la atención por la calidad y el discurso que podemos observar en sus obras sino también por el alto precio que han alcanzado en su precio de compra o en alguna subasta.


Tenemos la oportunidad en España de contemplar su primera retrospectiva en el Centro Botín de Santander, aunque ya pudieron verse obras de la artista en la exposición Barrocos y Neobarrocos celebrada en Salamanca en el año 2005 o una exposición individual que el MUSAC de León realizó en el año 2007.
Quizás podríamos comparar las obras de Julie Mehretu con algunas pinturas que los hombres primitivos realizaban en las cavernas, llenas de símbolos o de líneas de todo tipo que muchas veces nos resultan difíciles de interpretar. No conocemos datos acerca de sus rituales o creencias religiosas y puede que muchos de ellos estén asociados con estos temas.
La primera impresión que tenemos al ver una de las obras de Julie Mehretu es que nos encontramos ante un paisaje donde el caos se ha convertido en el rey. Líneas, vectores, diagramas, formas orgánicas se mezclan con líneas rectas, curvas, que se mezclan con la arquitectura en lo que podríamos describir como un paisaje contemporáneo donde la figura del hombre se muestra como algo efímero e insignificante.


Quizás ese caos al que aluden sus obras sea uno de los signos de nuestro tiempo. Solo tenemos que escuchar las noticias en la radio o en la televisión. La mayoría de ellas aluden a desgracias (casi siempre ajenas) que han causado muertos, heridos provocados por guerras, terrorismo o desastres naturales. Existen pocas noticias positivas y la mayoría de ellas son descorazonadoras. Ese es un aspecto que debemos tener en cuenta a la hora de contemplar una de sus obras. La catástrofe es uno de los signos de nuestro tiempo.
Ella misma alude a que las revueltas sociales surgidas después de la crisis que tuvo lugar en el año 2008 provocaron en su obra un  cambio en la forma de pintar, pasando del color a las tonalidades en blanco y negro, como sabemos mucho más oscuras y pesimistas respecto al comportamiento humano.
Sus obras aparecen de esta manera como auténticos mapas en los cuales observamos dos vertientes: por un lado la relación de la artista con sus propio pasado, por otro lado la actitud que mantiene frente al mundo. En ellas se dan cita el dibujo y la pintura donde se mezclan sucesos de la historia contemporánea y recuerdos de la propia artista.El caos se vuelve orden cuando se revisita el pasado y se observa desde la perspectiva del tiempo.
Tres elementos tienen una gran importancia en su obra. En primer lugar el dibujo como el elemento vertebrador de la obra, con múltiples influencias. Por otro lado la arquitectura, edificios que se muestran ligados a las estructuras de poder, de los cuales podemos observar sus planos. Por último la resistencia, como las minorías se resisten pero al final acaban por revelarse, migraciones o asociaciones que en muchos casos son provocadas o terminan en una guerra.


domingo, 15 de octubre de 2017

¿Qué es el arte conceptual?

Este movimiento ligado al arte conceptual surge durante la década de los 60 del siglo pasado. Se trata de que la idea es más importante que el objeto artístico, que en muchos casos queda reducido a la nada, porque más que la presencia física del objeto, se busca la implicación del espectador, a través de una reflexión, cobre el tema planteado.


Gran parte de las obras de arte contemporáneo se basan en esta idea, algunos artistas tratan de unir la belleza estética con la idea conceptual. Ha calado tan fuerte en nuestra sociedad que se demanda que la obra tenga una lectura mucho mayor que el objeto que podemos contemplar en una de las salas del museo.
Hablamos de un grand desarrollo en los 60 pero en realidad las primeras incursiones sobre estas ideas tienen lugar con los readymades realizados por Marcell Duchamp en la segunda década del siglo XX. Uno de los ejemplos más conocidos es su provocación presentando a un concurso un urinario que llamó "La Fuente" en el año 1917. Se trataba de descontextualizar el objeto y sacarlo de su función habitual para llevarlo al museo y que, solo por este hecho, pasara a convertirse en una obra de arte.

Robert Rauchenberg. Dibujo de de Kooning borrado

Vamos a poner otro ejemplo, que será una buena manera de comprenderlo. Piero Manzoni es uno de los más conocidos artistas conceptuales, presentó una obra que consistía en varias latas que incluían mierda producida por el propio artista. Las latas en cuestión se vendían por peso, pero su peso en oro, como si fuera un objeto de un valor inmenso. Las latas en si son el objeto físico, pero tras ellas se encuentra una reflexión acerca del mundo del arte y la importancia que adquiere el artista dentro de ese mundo.
Otro ejemplo, una obra conceptual puede ser perfectamente una frase escrita en las paredes del Museo que nos invite a reflexionar sobre un tema concreto. Se trata de maneras de protestar sobre algunos temas que se expresan mejor con ideas que con obras. Pensemos en algunos de los temas que estaban de moda cuando surge el movimiento y que levantaron bastante polémica en la sociedad de la época. Hablamos de eventos como la guerra de Vietman, los movimientos feministas o las nuevas formas de comunicación e información.
El arte conceptual afectó a todas las disciplinas, tenemos compositores de música experimental como John Cage, o artistas performativos que desarrollan sus ideas a través de la expresividad del cuerpo, fotografía o vídeo son algunos de los soportes más comunes que utiliza el arte conceptual, junto con los ya citados textos.

Jason Rhoades. Instalación

domingo, 8 de octubre de 2017

¿Qué es una performance?

La palabra performance es un anglicismo que significa interpretar o representar. Se trata de una actuación. Esta palabra se ha difundido sobre todo a partir de los años 60 asociado al arte performativo, se trata de un arte en vivo, en la mayoría de los casos utilizando el cuerpo como medio de expresión.


Hablamos de los años 60 como inicio del arte performativo pero durante la segunda década del siglo XX hay algunos movimientos de vanguardia que van a utilizar en circuitos alternativos de exposición, la representaciones de diferentes acciones utilizando el cuerpo como sostén artístico. Dadaistas, futuristas, surrealistas, serán algunos de los que van a utilizar este tipo de acciones.
Dentro de este tipo de representaciones se incluyen todo tipo de artes, teatro, danza, poesía, instalaciones, son solo algunos de los escenarios que se representan durante la performance.
Una de las desventajas de la performance es que como hecho artístico no se dispone de ningún objeto físico como en pintura o en escultura para poder vender. En algunos casos lo que se hace durante la performance es tomar fotografías o grabar en vídeo que luego son vendidas en el mercado del arte como recuerdo de la acción llevada a cabo, es la manera de rentabilizar de alguna manera este tipo de representación.
Joseph Beuys es alguno de los mayores representantes de la performance o de la acción artística que orientaba como crítica social para concienciar a la gente sobre hechos que afectan a la sociedad. Fue el máximo representante del grupo Fluxus. Beuys mostró su gran calidad artística usando elementos como animales muertos, papel, paja o árboles en peligro.


Otro de los artistas que más se ha dedicado a la performance es Marina Abramovic, esta artista ha realizado acciones durante toda su vida y es una de las artistas contemporáneas más consideradas. En una de sus últimas exhibiciones en el MOMA de Nueva York sentada en una silla miraba fijamente a los ojos durante un tiempo a todo el que quería sentarse frente a ella.
Una de las características de la performance es el carácter de sorpresa que tiene, puede anunciarse pero en muchos casos no se hace y la propia gente que está en la calle o que acude a un museo, se puede encontrar con ese tipo de acción para seguirle o verse inmerso en la misma como participante activo. Junto a ello existe un gran factor de improvisación en muchas de estas acciones.
El arte conceptual o la estética conceptual juega un gran papel en la performance, se parte de una idea y se intenta interpretar esta idea de forma teatral, invitando al público a reflexionar sobre esas ideas mientras se lleva a cabo la acción performativa.
El escenario puede ser cualquiera, no necesariamente tienen que representarte performance en un Museo, sino que una calle, una estación de tren, un centro comercial o una tienda pueden ser el escenario escogido por el artista para sorprender al público.