miércoles, 15 de abril de 2015

¿Que papel juega la obra dentro del sistema del arte?

Quizás una de las primeras cosas que debemos hacer sea definir el concepto de obra de arte, un término que no empieza a utilizarse hasta el siglo XV y donde se mezcla la naturaleza creadora de Dios, la naturaleza y la capacidad del hombre para imitar las formas que esta nos ofrece. Es decir la condición humana adquiere algo de divina en la capacidad para crear formas que imitan las creaciones de la naturaleza.
La obra de arte aparece como algo creativo, un hombre capaz de crear de "dar vida" conceptos que hacen que esa capacidad creadora sea la que le da un aura divina a los artistas, un algo diferente que les hace distintos del resto de los humanos. Eso ocurre tanto en el pasado como en el presente.
Hasta el siglo XIX la obra de arte era de encargo, el pintor la realizaba para un patrón concreto que a veces tenía sus propias exigencias, pero desde mediados del XIX se produce una independencia de la pintura con el impresionismo, la obra dejará de tener destino en un patrón concreto para estar destinada a toda la humanidad, la proyección de la obra, según Theodor Adorno, cambia y será algo dinámico.
Así entendemos por una obra de arte un objeto producido (incluso una cosa), se supone que la obra tiene un contenido espiritual que favorece su circulación, tiene un principio y un fin (unos límites que no parecen claros en la actualidad), la obra es un mundo en pequeño con sus propias fronteras y por último podemos decir que la obra es única e irrepetible (un concepto que tampoco queda claro en la era de la reproducción de la imagen como la que vivimos).
Claro que el avance la posmodernidad se produce un cambio en el papel tradicional de la obra de arte con algunos parámetros diferentes a los que acabamos de citar en el parrafo anterior, veamos esos cambios que afectan a la obra de arte en la actualidad:

  • Vivimos una crisis de los soportes tradicionales y algunos estilos cuyos límites no parecen claros, ya que en muchos casos no podemos definir una obra como pintura, escultura o instalación. Se introducen nuevos términos aplicados a intentar definir algunas obras como por ejemplo pintura expandida, pintar sin pintura, eso por no hablar de como el vídeo o el ordenador han podido cambiar nuestra forma de percibir el arte.
  • La obra abandona su contenido "espiritual" para abrazar un mensaje de tipo conceptual que incluye un argumento, una base teórica sobre la que comenzar el análisis de la obra
  • Cuando decimos que antiguamente las obras tenían un principio y un fin nos referimos a que fueron creadas para ser colocadas en un lugar concreto, pero esta situación es imprevisible en la actualidad con la cantidad de mediadores que existen, como galerías, museos, subastas o ferias de arte.
  • La obra se plantea como algo abierto, donde el espectador puede participar, la estructura de la obra es dinámica.
  • No existe un tema concreto sobre el que deba tratar, ya que el creador tiene plena libertad para plantear lo que mejor le parezca.
  • El tema de la originalidad de la obra existe, pero al mismo tiempo se han incorporado nuevos conceptos como reproducción masiva, serialidad, multiplicidad, repetibilidad que suenan de vez en cuando con el fin de acceder a mayor cantidad de público (no tenemos mas que pensar en las series fotográficas u obras de video de las que se venden 3 ó 5 ejemplares y pruebas de artista o bien grabados y serigrafías de las que se realizan 100, 200 o 1000 copias a veces incluso firmadas por el artista)
Actualmente para que una creación sea reconocida como "obra de arte" debe ser reconocida antes por las instituciones que sostienen el sistema, si la obra no está insertada o ha pasado por los canales tradicionales como Museos, Galerías de Arte, Salas de Exposiciones o Subastas, no se encuentra dentro del sistema y por tanto no puede calificarse como obra de arte, debe ser sancionada por alguno de los elementos que componen el sistema del arte, hasta por los críticos de arte, aunque debemos decir que el mejor crítico para cualquier obra es el paso del tiempo.
Esta idea el tiempo es importante ya que la obra no debe ser una burla contra la institución o el sistema sino que debe mantener la coherencia para mantenerse en el tiempo.


domingo, 12 de abril de 2015

El artista pop Roy Lichtenstein para niños

El arte pop tiene multitud de manifestaciones en su época de mayor esplendor, es decir a partir de los años 60, cuando artistas tan conocidos como Jasper Jhons o Andy Warhol conviertan en arte aquello que hasta ese momento solo se consideraba popular. Como ya vimos en el post Andy Warhol para niños, este se dedicaba a la representación de personajes famosos o bien de latas de comida que se anunciaban en televisión.


Si tratamos de hacer una pequeña biografía de Roy Lichtenstein, lo primero que debemos decir, es que al igual que Andy Warhol, también es Americano, nació en la ciudad de Nueva York en el año 1923 y murió en la misma ciudad como consecuencia de una neumonía en el año 1997.
Ya comentamos que el arte pop surge como reacción al movimiento americano por excelencia, hablamos del expresionismo abstracto. Bien, pues Lichtenstein practicó este movimiento hasta el año 1958, pero desde entonces comenzó a cambiar su estilo y se aproximo mucho más a la idea del pop y a sus cuadros más conocidos en la actualidad.
Lichtenstein se doctoró y trabajó como profesor de Universidad la mayoría de su vida.
Y es que su estilo se caracteriza por el uso de imágenes tomadas de los comics que aparecen aisladas y descontextualizadas de su entorno, en muchos casos reinterpretadas por el autor, que añade nuevos colores y situaciones. No solamente se trataba de comics ya que también utilizaba personajes que aparecían en anuncios comerciales para darles un nuevo valor distinto del que tenían en origen. Por ejemplo algunas de sus primeras figuras son personajes que aparecen en el envoltorio de algunos chicles.
Sus obras recuerdan tanto a los comics que en muchas ocasiones la forma de pintar nos da impresión al ver  como están impresos sobre el papel estos dibujos, reproduciendo los puntos rojos que creaba la impresión del momento. A ello añadía en algunas ocasiones colores que no aparecían en el comic, ya que los colores en la impresión se reducían por el alto valor que tenía imprimirlo, de manera que podemos observar en los cuadros personajes con el pelo azul, cosa que en los comics no aparecía por la razón que acabamos de explicar.
No solamente se dedicó a la pintura, sino también a la escultura, con un estilo muy similar, es posible encontrar obras suyas repartidas por todo el mundo, ya que fue un autor muy prolífico. 
En muchas de sus obras la mujer es protagonista, sobre todo en cuadros de primera época, son muy guapas mujeres que bien anunciaban productos o eran protagonistas como héroes de algún comic de acción y aventura. En muchos casos las emociones se pueden apreciar perfectamente e incluso a veces predominan sobre otro tipo de situaciones.



miércoles, 8 de abril de 2015

Escultura Ibérica. La bicha de balazote

Desde el año 900 antes de cristo en España conviven numerosas colonizaciones que van a conformar la cultura de los pueblos primitivos que habitaron en España. Fenicios y griegos estaban muy interesados en el comercio, aunque entre ellos surgió un pueblo con un amplio desarrollo del que tenemos numerosos ejemplos en el Museo Arqueológico de Sevilla. Se trata de la civilización de Tartessos que se asentaron en la zona oeste de Andalucía con un avanzado grado de desarrollo y comercio para su época, explotando sobre todo los recursos mineros de la zona y comerciando con todo el área mediterránea.


Tras los Tartessos, que desaparecieron sin hacer ruido, igual que llegaron, tanto Turdetanos como Cartagineses tomarán el relevo, justo antes de que Roma traslade sus actividades a la Península y comience su expansión e influencia tras la derrota cartaginesa en la primera y segunda guerra púnica.
Así si nos situamos en el periodo en el que los Romanos llegan a España, allá por el siglo III a.c. encontramos en el país dos grupos de asentamientos. En primer lugar los Iberos descendientes de las comunidades prehistóricas que viven en Andalucía y en la zona Mediterránea. Tienen un nivel cultural mayor que otras partes del país y un modelo social bastante complejo donde existen reyes que rigen las ciudades y una aristocracia que tiene el control de los organismos públicos. Los Íberos tenían su propia moneda.
Por otro lado tenemos los pueblos de origen celta, gente que vino del centro de Europa para asentarse en el resto del país con una organización tribal y un jefe de la aldea al que todos deben lealtad.
Dentro de la escultura ibérica no existe duda que la obra más conocida que se conserva es la Dama de Elche, que actualmente puede contemplarse en el Museo Arqueológico Nacional de Madrid.
La Bicha de Balazote es una escultura ibérica que fue encontrada en la provincia de Albacete, podemos datarla en el siglo VI a.c. y en un principio se relaciono con la imagen de un ciervo. Aunque es extraña porque tiene cara de hombre y cuerpo de animal, este animal esta recostado en la misma posición que lo hace un toro cuando está descansando, no tenemos más que mirar las patas para darnos cuenta que están haciendo referencia a este animal. La cola, como vemos, descansa directamente sobre el lomo doblada de forma bastante curiosa y detallista para ese momento artístico en el que nos encontramos.
La cara nos muestra una persona con barba, mirando al espectador, con unos pequeños cuernos en la parte superior y una actitud que nos recuerda otras esculturas de la época griega.
No se sabe exactamente su función, muchas de estas esculturas se asocian con motivos de tipo funerario, aunque es posible que esta sirviera como motivo decorativo para la entrada de un templo. También hay quien afirma que podía tener conexiones con creencias ligadas a la fertilidad y el nacimiento de nuevos individuos para la comunidad. Actualmente esta obra se puede contemplar en el Museo Arqueológico Nacional en Madrid.

domingo, 5 de abril de 2015

El pintor español Luis Gordillo para niños

Gordillo es uno de los pintores vivos contemporáneos más representativos de la segunda mitad del siglo XX en España y también ha estado muy activo en estos primeros años del siglo XXI. Es un pintor que no reduce su mercado a España ya que es bastante conocido en el ámbito internacional, donde varias galerías se dedican a comercializar su obra.


Si tenemos que trazar una pequeña biografía de Luis Gordillo debemos decir que nación en Sevilla en el año 1934, allí realizó estudios de derecho, aunque no tenía ninguna intención de continuar su labor como abogado y, una vez que terminó, se matriculó en la Escuela de Bellas Artes donde finalizó sus estudios. Su incorporación al ambiente pictórico se produce con cierto retraso ya que sus primeras obras no llegaran hasta el año 1956 y su primera exposición no tendrá lugar hasta 1959 en Sevilla, Fruto de sus viajes a París donde entró en contacto con algunos de los artistas y estilos imperantes en ese momento, justo cuando el mercado del arte y el centro neurálgico se estaba trasladando de la capital de Francia a la ciudad de Nueva York donde el expresionismo abstracto comenzaba a florecer.
Luis Gordillo es un artista difícil de clasificar en cuanto a su estilo, ya que ha recibido diferentes influencias a lo largo de su vida. Vamos a destacar tres de ellas, en primer lugar el informalismo, un estilo que alcanza gran desarrollo a finales de los años 50 y principios de los sesenta, no tenemos mas que recordar algunos ejemplos como su artista más representativo, Antonio Tapies.
Una segunda influencia será del arte pop, que en España alcanza su desarrollo en los años setenta y principios de los ochenta, aunque debemos decir que Luis Gordillo puede clasificarse como un pintor abstracto, pese a sus incursiones en la pintura pop, donde quizás Eduardo Arroyo o Eduardo Urculo sean algunos de sus máximos representantes en España.
Una tercera influencia, que se puede apreciar en las formas que adquieren muchas de sus obras, es la del surrealismo, dotando sus obras de un discurso conceptual que no se reduce a la mera expresión plástica, sino que busca una reflexión sobre el desarrollo de la expresión estética.
En ocasiones su trabajo se vuelve obsesivo llegando a ofrecer diferentes puntos de vista de un mismo objeto o escena
Luis Gordillo es un artista muy reconocido entre el mundo contemporáneo, tanto artistas como críticos le admiran por su brillante trayectoria profesional y su actitud conceptual frente a  las obras de este pintor (y fotografo) sevillano.



domingo, 29 de marzo de 2015

La pintora surrealista Remedios Varo para niños

La pintura surrealista tuvo una gran aceptación en España y algunos de sus pintores más conocidos de todos los tiempos tuvieron relación con este movimiento, tanto de parte masculina con las obras de Joan Miró y Salvador Dalí, como por parte femenina con Maruja Mallo o el caso que hoy nos ocupa, la pintora catalana Remedios Varo.


Podríamos decir a modo de pequeña biografía de Remedios Varo que es una mujer adelantada a su tiempo, ya que debido a su inclinación por la pintura su padre le costeó los estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Recordemos que en ese momento no existen Facultades de Bellas Artes como tal y el mismo Dalí, empeñado en estudiar pintura lo hizo en el mismo lugar que Remedios Varo con el fin de obtener una titulación superior, aunque como sabemos, Dalí no fue capaz de completar los estudios al ser expulsado de la escuela, debido a su actitud desafiante con alguno de sus profesores.
Paris, como centro del arte en la primera mitad del siglo XX, ejercerá una gran influencia en Remedios Varo, desde que realiza su primer viaje, hasta que a principios de los años treinta, contacta con el grupo de surrealistas, conociendo en persona a André Bretón, eso hará que su pintura se transforme y trate de adaptarse a la visión onírica que ella percibe del mundo que le rodea. No en vano sus obras siempre se encuentran cargadas de una actitud de misterio y unos colores que las hacen reconocibles nada más verlas.
Durante la república se separó de su primer marido, lo cual es un dato curioso, ya que como sabemos durante la época de Franco eso no era posible. Remedios era una mujer con las ideas muy claras. Colaboró con el bando republicano y tuvo que huir a Francia como consecuencia de la guerra civil. En París permanecerá un tiempo hasta que los Nazis ocupen la ciudad, momento en el que se traslada a México, donde pasará el resto de sus días alternando con viajes de tipo comercial a países como Venezuela.
Será en Mexico donde animada por su segundo se dedicará de lleno a la pintura, ofreciendo al público su primera exposición individual en los años 50 y manteniendo contacto con otros artistas mexicanos, igual que con algunos intelectuales exiliados de España, como consecuencia de la guerra civil.
Pese a su tardanza expositiva conservamos un obra bastante extensa, se trata de personajes cotidianos que se encuentran realizando labores típicas del trabajo diario, en cuyos escenarios de trabajo aparecen escenas relacionadas con el mundo de los sueños. Se trata de figuras que realizan labores modernas en un escenario cargado de magia en unas obras inconfundibles.



miércoles, 25 de marzo de 2015

Zurbarán visita el Museo Thyssen en verano de 2015

Francisco de Zurbarán, nacido en la localidad pacense de Fuente de Cantos en el año 1598, es uno de los pintores barrocos más interesantes de la escuela sevillana, quizás eclipsado por el buen hacer de Velázquez, ya que son contemporáneos, pero con sus propio predicamento en la zona sevillana y extremeña e incluso en América donde fueron enviadas algunas obras.
El museo Thyssen de Madrid dedica una completa exposición de artista que abarca desde sus obras de juventud a otras de madurez, incluyendo obras inéditas que nunca han sido expuestas en España: A ello se unen otras obras de artistas barrocos del momento y algunos bodegones pintados por su hijo Juan de Zurbarán confrontando las obras de estos artistas con las del artista extremeño.
Zurbarán es un artista un tanto extraño, se nos presenta como un grandísimo artistas a la hora de realizar obras de tipo místico, tuvo una gran relación con los monjes cartujos, así como a la hora de representar bodegones y todo tipo de detalles inanimados en muchos de sus cuadros. Asimismo es un artista que domina perfectamente las diferentes tonalidades del color blanco, que en sus obras adquiere una gran belleza por la cantidad de matices que podemos encontrar en el mismo.
Pero en cambio hay otras obras en las cuales comete errores de perspectiva, por ejemplo en obras como La Apoteosis de Santo Tomás de Aquino, donde la separación entre el cielo y la tierra está mal resuelta así como los edificios y personajes que aparecen tras la ventana que tenemos en primer plano. Algo parecido observamos en la obra La Virgen de los Cartujos, donde las piernas de la Virgen dan sensación de arrancar desde el pecho y no desde la cadera.
Es decir cuando las personas están en movimiento o hay que desarrollar una obra en perspectiva con cierta profundidad, a Zurbarán se le plantean diversos problemas para poder resolverlo correctamente, de hecho en alguna de sus obras para evitarlo reduce la perspectiva a su mínima expresión, como ocurre por ejemplo en San Hugo en el Refertorio de los Cartujos, una obra perfectamente resuelta con todos los monjes vestidos en color blanco y una gran calidad en los objetos que aparecen encima de la mesa, pero que en la parte derecha cuando se abra a un paisaje urbano vemos cometer a Zurbarán los mismo errores que cometía Francisco Pacheco, maestro de Diego Velázquez, que unía a sus grandes conocimientos iconográficos, sus problema para resolver correctamente la perspectiva en muchos de sus cuadros.
Por eso Zurbarán es un pintor muy destacado por sus bodegones, es decir cuando lo que tenemos encima de la mesa son objetos inanimados que se encuentran en primer plano. En ese aspecto es un pintor maravilloso, con una excelente calidad tanto en el colorido, como en el realismo de los objetos que están representados en la obra, lo cual le une también a Velázquez, un artista que demuestra un especial tratamiento de los objetos con un realismo que podríamos calificar casi de fotográfico, algo parecido le sucede a Zurbarán en este aspecto.
Las fechas programadas para la exposición de Zurbarán en el Museo Thyssen de Madrid es desde el 9 de Junio al 13 de Septiembre de 2015, será sin duda un momento estupendo para ver reunida obra del artista y apreciar obras del autor nunca vistas en España.

San Hugo en el refertorio de los Cartujos

domingo, 22 de marzo de 2015

La Iglesia mozárabe de San Baudilio de Berlanga

Esta iglesia situada en el pueblo de Casillas de Berlanga que pertenece a la provincia de Soria constituye un ejemplo total mente diferente al de otras iglesias de estilo por sus diferencias tanto en planta como en alzado con algunas de las características del estilo mozárabe. La primera referencia que tenemos de la iglesia corresponde al año 1135, aunque la construcción del edificio se iniciaría cien años antes.
Como podemos observar en la planta, se trata de una iglesia de una sola nave, que tendría una forma cuadrada, por medio de unas escaleras se accede a la capilla mayor que tiene forma rectangular, el ábside aparece de forma independiente a la nave, de hecho está cubierto con bóveda de medio cañón y se accede a él por un arco de herradura, uno de los arcos que se usaban en época mozárabe y que podemos observar en otras iglesias por ejemplo en la leonesa San Miguel de Escalada.
La nave posee una gran columna en la parte central que se abre en la parte superior para formar (como si fuera una palmera) ocho arcos de herradura que rematan en las esquinas y el centro de cada uno de los lados del cuadrado. Esta palmera de piedra oculta por encima del arranque de sus ramas una pequeña cámara cubierta con bóveda cordobesa, es decir que hay cuatro nervios que marchan paralelos y otros dos se cruzan en el centro formando un cuadrado en la zona central, así lo podemos observar claramente en algunos ejemplos que encontramos en la zona de la quibla de la Mezquita del Córdoba.
A los pies de la nave se sitúa una tribuna que se alza sobre múltiples columnas que rematarían en arcos de herradura bastante toscos. Estas columnas carecen de capiteles.
Toda la iglesia se encontraba pintada, de esas pinturas actualmente se conserva muy poco, ya que las pinturas fueron trasladadas al Museo del Prado donde pueden contemplarse en la actualidad. Las pinturas no serían de época mozárabe sino que fueron realizadas en el románico, a mediados del siglo XII, es curiosa la escena de caza donde unos perros persiguen a unos conejos y para crear sensación de profundidad se superpone una figura de animal encima de otra.
Como era habitual en las iglesias pegado al ábside se encuentran una necrópolis con unas veinte tumbas que conservan la talla, aunque esta sea de bastante mala calidad. La creencia de que estar cerca del ábside de la iglesia hacía que estuvieras más cerca de Dios en el cielo llevaba a la gente a enterrarse lo mas cerca posible del mismo, llegando en muchos casos a competir y a pagar grandes cantidades de dinero por enterrarse dentro de la iglesia y lo más cerca posible de este lugar. No tenemos mas que observar el suelo original de muchas catedrales para darnos cuenta de lo que decimos.