domingo, 18 de febrero de 2018

Paul Signac puntillismo para niños

Este pintor era de origen francés, nació en el año 1863 y comenzó pintando obras impresionistas, aunque cambió su forma de pintar a partir del año 1884, cuando conoció a George Seurat y se pasó a la pintura puntillista, que no abandonó hasta el final de su vida. Debemos decir que su vocación como pintor le llegó desde el año 1880 tras ver una exposición de Manet, cuatro años después se produciría el cambio hacia el puntillismo.


Debemos decir que su familia tenía suficiente dinero para que él pudiera dedicarse de lleno a la pintura, sin problema para depender exclusivamente de la pintura. Este es un dato que ayuda mucho para poder dedicarte a lo que te gusta y ejercer tu estilo con plena libertad creativa. Es uno de los fundadores del Salón de los Independientes donde participó junto a otros pintores impresionistas y puntillistas de la época. Es curioso que frente a su acomodado origen ideológicamente era un anarquista, al igual que otros muchos artistas del momento. Aunque hay que decir que envió cheques para el desarrollo del movimiento y también regalo algunos cuadros para el periódico "Los Nuevos Tiempos". Podemos decir que algunas de esas ideas se plasman en sus obras, ya que para él la armonía era muy importante. La armonía no solo debería aparecer en sus cuadros sino que estaba convencido de que debía trasladarse a la sociedad, pero él no contribuía con una lucha activa sino a través de la armonía de sus obras. Conectando con estas ideas estaba convencido de la libertad artística creativa y para ello el anarquismo era (para él) el mejor movimiento que podía garantizar esta actitud.


La mayoría de sus obra tiene que ver con paisajes, concretamente con escenas en las que el paisaje marino está presente. Se nota perfectamente, al igual que otros pintores de esta época, que tiene un gran interés por la distribución de la luz y por la forma de aplicar el color en sus obras. Estas representaciones representan algunas de sus grandes aficiones, fue un gran amante del mar y la navegación.
Además de dedicarse a la pintura también escribió algunos libros. En ellos hablaba de sus ideas estéticas y sobre todo de la técnica puntillista. En todas ellas la luminosidad juega un papel muy importante. Los colores no deben mezclarse en la paleta sino que colocados unos junto a otros en el lienzo nuestra mente hará que se fundan ofreciendo una mezcla que no existe en la realidad sino que se crea por una ilusión óptica mientras observamos la obra.
Tras la muerte de Seurat se traslado al sur de Francia y viajó por otros puertos de la zona mediterránea. Allí se dedicó a pintar escenas marinas. Podemos observar que en los últimos años de su vida también pintó algunos bodegones y retratos.
Es muy curioso observar las diferentes combinaciones de colores que se observan en el reflejo que nos ofrece el agua en muchas de sus composiciones. Falleció en el año 1935.


domingo, 11 de febrero de 2018

Algunas de las últimas tendencias artísticas

Hal Foster es uno de los grandes pensadores de nuestro tiempo, sus trabajos relacionados con el arte y con la estética están muy considerados. Sus libros marcan la pauta no solo del arte sino de la relación de éste con la sociedad. Su último libro publicado se llama Malos Nuevos Tiempos y ha sido publicado por la editorial Akal. En este libro hace un repaso a algunas de las últimas tendencias del arte contemporáneo que queremos resumir en este post.

Grand Pop Paul McCarthy

En primer lugar habla de como algunos artistas se decantaron por el arte abyecto en la década de los 80 y la década de los 90, quizás como una manera de oponerse al fin de los movimientos que vanguardia que se producen en esa época con los últimos coletazos del minimalismo y el inicio de la posmodernidad. Señala Foster que la sociedad se fundó con una oposición a lo anal que se ha mantenido a lo largo de los siglos y que estos artistas tratan de sacar a la luz. Hablamos de las obras de Mike Kelley, Paul McCarthy o John Miller.
En segundo lugar tenemos a los artistas archivistas, Thomas Hirschhorn puede ser un ejemplo de ellos. Podemos compararlo con esos altares improvisados que surgen en las diferentes ciudades después que se produce un atentado, allí se atesoran objetos y mensajes de todo tipo acompañados de velas y flores o bien quioscos que incluyen todo tipo de información sobre un tema deseado. Según palabras del propio artista, se trata de conectar aquello que no se puede conectar.


Tenemos otros artistas que se dedican al tema del archivo, por ejemplo Tacita Dean, sus obras reflejan objetos que fueron creados con una visión futurista pero que fracasaron en su intento y fueron abandonados, se trata en muchos casos de un pasado heterogéneo e incompleto. 
Joaquim Koester presenta historias desconocidas que sucedieron hace tiempo y que sirven como elemento de reflexión para el espectador, aspectos que pudieron suceder y que desconocemos. 
Un tercer aspecto estaría conectado con la instalación a modo de diorama de diferentes objetos, conecta con la idea de los dadaistas que en 1916 querían poner el arte y la cultura al servicio del espectáculo y presentarlo al público como un programa de variedades. Rober Gober puede ser uno de los artistas que nos sirva como ejemplo de esta corriente.
Un cuarto aspecto tiene que ver con lo precario, lo que trata de denunciar una situación social en la cual el gobierno no quiere implicarse. Foster indica que lo lastimero es uno de los símbolos de lo precario. Es como esos cartones que exhiben algunos pobres en la calle que informan de una situación triste cargada de faltas de ortografía y de sinceridad. La precariedad y la emergencia se encuentran unidas. Thomas Hirschhorn ha trabajado también este tema.
Por último afirma el autor que se ha producido una vuelta a lo performativo. La performance como proceso que sirve para activar al espectador.


domingo, 4 de febrero de 2018

El fotógrafo Man Ray para niños

Estamos ante uno de los grandes genios de la fotografía del siglo XX, uno de los referentes artísticos de las primeras décadas del siglo XX, momento en el cual colaboró con algunos de los movimientos de vanguardia del momento, principalmente con el dadaismo y con el surrealismo.



Man Ray no era europeo, aunque será en este continente donde va a conseguir el éxito. Pero Enmmanuel Radnitzky nació en Filadelfia en el año 1890. Su interés por el arte tiene mucho que ver con el traslado durante su juventud a Nueva York donde entró en contacto con artistas de vanguardia como Marcel Duchamp, acudía a diferentes exposiciones y participaba en tertulias.
Su interés por la fotografía llega de forma casual. En principio compró una cámara fotográfica para documentar obras artísticas.
Empezó a ser conocido por realizar algunas fotografías sin la intervención de la cámara, se trata de composiciones abstractas, muy estudiadas y trabajadas, fruto de situar objetos en contacto con papel sensible a la luz que posteriormente era revelado. Este tipo de obras se conocen con el nombre de Rayogramas. Fueron realizadas en París, donde el artista se trasladó para estar en contacto con las nuevas tendencias del arte en ese momento. 


Recordemos que París es el centro del arte en la primera mitad del siglo XX, casi todos los movimientos de vanguardia tienen que pasar por esta ciudad para ser conocidos. Esta situación durará hasta la segunda guerra mundial, momento en el cual el centro del arte pasará a la ciudad de Nueva York.
Pero hablando de Man Ray si por algo es conocido es por la realización de retratos. Pero no se trata de simples poses de grandes figuras famosas en la Europa del momento. La mayoría de sus retratos son de mujeres, bellas, fatales en muchos casos. En ellas trata de mostrar algo más que su simple belleza sino que dota a sus fotografías de un discurso conceptual, tenemos algo más en lo que fijarnos o en lo que pensar cuando observamos alguna de estas obras
En "El violín de Ingrés" nos muestra no solo el cuerpo de una mujer sino que juega con las curvas de ese cuerpo para que se adapten a la forma del instrumento musical que trata de representar. Incluso con esas letras F añadidas posteriormente.
Detrás de cada una de sus imágenes hay un concepto, no se trata solo de representar sino de crear.
Ray falleció en París en el año 1970.


domingo, 28 de enero de 2018

¿Qué es la transvarguardia?

Estamos ante uno de los últimos movimientos artísticos que tuvo lugar a finales del siglo XX, más concretamente en la década de los 80 y 90, siendo su principal lugar de desarrollo Italia, aunque desde allí se extendió a otros países, en los cuales encontramos también representantes de este estilo.


Debemos ponernos en situación para poder entender mejor el surgimiento de la transvarguardia en Italia. ¿Cuales son los estilos que triunfaban en este momento? Tenemos tres referencias de las cuales debemos hablar.
En primer lugar uno de los estilos de moda era el arte conceptual, en este estilo la obra en si pierde su sentido para ser sustituido por una idea sobre la que el espectador debe reflexionar. Es algo que no hemos perdido en el arte actual, aunque las obras han ganado en protagonismo desde entonces. Junto al concepto también se dan sus primeros pasos el videoarte y el body art ligado a la performance.
En segundo lugar el arte pop que tenía una gran implantación a nivel mundial, en este caso la obra ha perdido en gran parte su protagonismo y su originalidad, porque la reproducción y la copia están a la orden del día.
Por último estamos ante los últimos coletazos del informalismo, un movimiento abstracto que tiene sus orígenes en los años 50 relacionado con el expresionismo abstracto y que en Europa tendrá bastante éxito, sobre todo en España con representantes como Tapies, Millares o Antonio Saura.


A todo ello debemos añadir la gran presencia en Italia del arte povera, el uso de materiales de desecho para la composición de obras donde la parte conceptual juega un papel importante.
En este contexto tenemos un grupo de pintores italianos que aboga por la vuelta de la pintura a la esencia, en una mirada a los clásicos que tratan de repetir. Los temas estarán tomados de todo tipo de referencias, pero la obra será el elemento más importante, apartándose del discurso conceptual. Tenemos el tema a tratar y el protagonismo de los personajes y el color. Por tanto la obra de transvarguardia será una obra figurativa. Una de sus mayores referencias será la pintura manierista tanto en la composición de las figuras como en el uso del color. También se vieron influenciados por periodos como el barroco o el futurismo.
El grupo surge en el año 1979 y fueron presentados por primera vez en España con motivo de la celebración de la Feria de ARCO en el año 1982. Otros artistas españoles seguirán esa estela de nuevo realismo ligado a movimientos culturales como la movida madrileña. Hablamos de artistas como Guillermo Pérez Villalta por ejemplo. 


domingo, 21 de enero de 2018

Frida Kahlo para niños

Estamos ante una de las artistas más populares del siglo XX, cuyo recuerdo se ha mitificado tras su muerte. Parece que hay dos figuras cuyo merchandising se ha extendido como una mancha de aceite una vez que fallecieron. Uno es la figura del Che Guevara y la versión femenina la encontramos en Frida Kahlo cuya imagen decora todo tipo de objetos y camisetas.


Si tenemos que trazar una pequeña biografía de Frida Kahlo debemos decir que era de origen mejicano, nació y murió en Cayoacan. Su padre era alemán pero emigró a Méxicoy allí se casó varias veces. La figura de su padre fue muy importante en su vida. A los dos les unía la enfermedad y se atendieron mutuamente. Frida, siendo muy niña, padeció una poliomelitis, que la obligó a permanecer en cama mucho tiempo. Su padre estuvo muy pendiente de ella y le ayudó a superar la enfermedad (una de sus piernas era mas pequeña que la otra) animándola a practicar deportes una vez superada, ya que el ejercicio físico solo podía hacerle bien. Por su parte el padre de Frida sufría constantes ataques de epilepsia, una vez detectados por su hija, cuando estaban juntos reaccionaba ayudándole a superar este trance.


Y es que la vida de Frida Kahlo está marcada por la desgracia, no solo por su enfermedad que la llevó a sentirse aislada de otros niños, ya que no podía realizar las mismas actividades que ellos. El accidente que sufrió cuando el autobús en el que viajaba fue arrollado por un tranvía, cuando contaba 19 años, fue terrible. Columna vertebral rota por tres partes, una de sus piernas con 11 roturas, la cadera, una barra de hierro que le atravesó. Bueno, algo tremendo. Pero siempre observamos en Frida una fuerza de voluntad, una gran lucha interior por salir adelante, por superar estas enfermedades y por no ser menos que ningún otro ser humano. Como consecuencia del accidente fue operada hasta en 32 ocasiones.


Su producción artística no es muy extensa, conservamos 200 obras de la artista. El estilo de Frida Kahlo es difícil de definir. André Bretón dijo de ella que era una pintora surrealista, pero la propia Frida lo negaba diciendo que ella no pintaba sueños sino escenas de su propia vida. La autobiografía está muy presente en su trabajo. La artista estaba convencida de que la obra de cualquier artista debía reflejar su propia vida. Prueba de ella es la gran cantidad de autorretratos que se conservan de Frida Kahlo. Pero si no calificamos su obra como surrealista, ¿donde situarla? Hay quien quiere ver una influencia expresionista en su trabajo salpicado con elementos de la cultura popular mejicana. que están presentes en la mayoría de sus trabajos.


Frida Kahlo se casó con el pintor y muralista mejicano Diego Rivera. Tuvieron una relación tormentosa y plagada de infidelidades, primero por parte del pintor y después de ella, tanto heterosexuales como lésbicas, tratando de provocarle celos, cosa que conseguía ya que Diego Rivera tenía en esto una actitud bastante machista. Pero sin duda fue el gran amor de su vida y Frida sufría mucho con las infidelidades de su esposo, la que más le afectó fue el affaire que tuvo con la hermana de Frida de nombre Cristina.
Fue una mujer muy admirada en los círculos artísticos por su forma de pintar. Recibió elogios de artistas de la talla de Pablo Picasso o Vasili Kandinsky por su habilidad como retratista.


domingo, 14 de enero de 2018

Jospeh Beuys para niños

Cuando hablamos de Joseph Beuys no debemos pensar en una obra de arte tradicional, por ejemplo una pintura o una escultura. Estamos hablando de un nuevo concepto de obra, ligado a la acción artística, una experiencia docente en la que trata de transmitir una información que sirva al público como elemento de reflexión. 


Vamos a poner un ejemplo para poder entenderlo de forma fácil. Una de las obras más conocidas de Beuys se llama Como explicar los cuadros a una liebre muerta. En esta obra el artista se puso miel y pan de oro sobre la cabeza y le hablaba a una liebre muerta que sostenía en sus brazos, acerca de su obra.
Este tipo de acción tiene mucha conexión con el dadaismo, cuya influencia es muy notable en el movimiento Fluxus, al que Beuys pertenecía y fue uno de sus representantes más activos. Recodemos que el dadaismo a través de Marcel Duchamp introdujo la idea del readymade. Cualquier objeto para ellos es susceptible de convertirse en una obra de arte, solo tiene que existir la intención de que así sea. Cuando Marcel Duchamp llevó a una exposición un urinario en 1917 tenía intención de que se convirtiera en un objeto artístico, solo por el hecho de ser expuesto en un Museo. Aunque no lo creamos esta idea ha tenido una influencia tremenda en el arte del siglo XX hasta nuestros días.
Beuys trataba de cambiar el concepto de la enseñanza, la obra de la liebre asume que el artista se encuentra enseñando arte a una sociedad que se encuentra muerta, una sociedad a la que trata de curar y salvar al mismo tiempo a través del conocimiento.


Vamos con otro ejemplo, en su obra 7000 robles, realizada para la Documenta de Kassel, la propuesta del artista fue realizar una reforestación urbana de todos estos árboles. Se fueron plantando poco a poco, de hecho tardaron varios años en completar la obra que se encarga de cuidar la propia ciudad de Kassel. Se trata de una reflexión sobre el papel de la integración del habitat urbano y la naturaleza, a veces abandonada por los intereses inmobiliarios. 
Así que muchos de los aspectos de la obra de Beuys tienen algo de performance. Para realizar estas acciones artísticas utiliza multitud de objetos. Algunos se repiten y tienen que ver con episodios de su propia vida. Por ejemplo, tras estrellarse su avión en Crimea durante la segunda guerra mundial, los tártaros envolvieron su cuerpo en fieltro y grasa para evitar que muriera congelado. Estos dos elementos se repiten de forma constante en su trabajo. Esos objetos tienen una fuerte conexión con el readymade del que antes hemos hablado.


domingo, 7 de enero de 2018

Composición en rojo, amarillo y azul de Piet Mondrian

Piet Mondrian es uno de los artistas más interesantes del siglo XX. Este autor, de origen holandés, sufrirá una profunda evolución en su pintura hasta llegar a la abstracción más sublime, que hoy analizamos en este cuadro.


Mondrián comenzó siendo un pintor impresionista, pero a comienzos del siglo XX se verá influido por otros movimientos que surgen en ese momento. Así tendrá una etapa puntillista, postimpresonista, fauvista y cubista, ya que en 1911 estaba practicando este estilo y se produce un cambio en su forma de entender el arte y la pintura. Evoluciona desde el cubismo a la abstracción geométrica pura.
Básicamente la obra que analizamos se compone de líneas rectas y colores primarios. Todo muy ordenado, con idea de que la pintura se encuentre en armonía con la naturaleza y el universo. La geometría juega un papel muy importante en su obra. A este movimiento y esta forma de pintar se le conoce con el nombre de neoplasticismo.
Estas composiciones, que pueden resultar para nosotros de lo más extrañas, para el artista tenían una conexión casi divina. Las formas horizontales y verticales separaban polos opuestos como por ejemplo lo espiritual y lo material, la dicotomía hombre o mujer. La unión de las líneas, los puntos de encuentro representaban la felicidad.
Es decir nos encontramos con unas formas muy sencillas en su composición pero como podemos observar con un análisis muy profundo y cargado de significado.
Quizás la vida es algo más simple que las complicaciones que cada día nos podemos encontrar, muchas de ellas creadas por nosotros mismos. Por eso la pretensión de Mondrián es reducir los problemas a su mínima expresión. Se trata de una manera simple de ver la vida. Frente a la complicación de otros artistas él buscaba la simpleza más absoluta.
El uso de líneas rectas, que fue pintando con carboncillo, antes de rellenar de color, tiene que ver con su idea de evitar cualquier sensación de profundidad que pudiera crear una línea curva o diagonal. Una vez se enfadó con uno de sus colegas por usar la línea diagonal, incluso abandonó el movimiento neoplasticista por ello, para él eso era un sacrilegio.
Los colores que usa son colores básicos-primarios, mezclados nos pueden ofrecer una amplia gama, pero el artista decidió que debía usar solo estos tres y no mezclados entre ellos. Blanco tratando de crear espacios vacíos y el negro delimitando las líneas se suman a esta composición.