miércoles, 4 de mayo de 2016

Pop Tops! El arte pop entra en España a través de la música

Las tendencias pop tienen mucho que ver con la época de desarrollo económico que se vive en Estados Unidos y en Europa tras el desastre provocado por la Segunda Guerra Mundial. La progresiva expansión de una clase media que tiene acceso al consumo de productos fabricados para satisfacer todo tipo de necesidades, irá creciendo de forma progresiva a lo largo de los años 50 y 60 del siglo pasado.

Raimon. Cançon de la mare. Diseño Equipo Crónica

En España las circunstancias en las cuales se introduce la cultura pop son muy diferentes, ya que mientras Richard Hamiltón creaba su collage en el cual apelaba en 1956 a aquello que hacía los hogares tan diferentes y llamativos, España comenzaba a despertar de un aislamiento que concluyó en 1953 tras los acuerdos militares firmados con Estados Unidos que permitieron a España abandonar 14 años de falta de relaciones internacionales y dificultades en todos los sentidos.

Josep Guinovart. La bomba Ye-Ye. 1966. Linograbado

Esos acuerdos van a permitir un ligero desarrollo que se consolida con el Plan de Estabilización que se llevó a cabo en 1959 y que permitirá gracias a la liberalización de la economía, la instalación en el país de industrias y empresas extranjeras, germen de la expansión de la clase media y con ella el desarrollo de la sociedad de consumo.
Claro que las circunstancias en España serán distintas a las de otros países. Mientras en el extranjero el arte pop se asocia directamente a los productos de consumo, convirtiéndolos en simples objetos de reproducción, en el sentido en que Walter Benjamin hablaba de la era de la reproductibilidad técnica, las circunstancias políticas y la falta de libertad hacen que muchos artistas que trabajan con iconografía pop en España, se vuelquen en la denuncia de los problemas sociales que vive el país bajo el régimen dictatorial.

Adolfo Cedrán. Silencio. 1970. Diseño Juan Genovés

Y resulta curioso que muchas de estas denuncias sobre las carencias de la sociedad llegarán primero a través de las carátulas de singles y discos antes que otras expresiones artísticas. Serán muchos los artistas que aprovecharan estas oportunidades para reclamar un giro en todo lo que tiene que ver con la libertad de expresión e información en el país, tomando conciencia de que la ocasión que se les brinda sirve para denunciar este tipo de situaciones. Se trata de un arte al servicio de una idea, el arte como instrumento político, tal como Guy Debord expresaba acerca del servicio que podía hacer a la revolución, aunque con una matiz completamente distinto en la España de Franco. 
Muchas de estas manifestaciones tendrán lugar antes del estallido de la revolución de Mayo del 68 en Francia que afecto tanto a fábricas como a la intelectualidad universitaria del momento en el país vecino.

Mike Rios con Los Sonor. 1963. Diseño de Portada Jose Bort

Portadas de cantautores como Raimón que aluden a la falta de libertad de expresión, donde el Equipo Crónica destapa todo un arsenal de denuncias y reclamaciones. Hechos históricos silenciados por el régimen como la ilustración de La Bomba Yeye de Josep Guinovart realizada en 1966, que revelaba los hechos ocurridos en Palomares con la bomba que cayó al mar en la playa almeriense. En una fecha cercana Alfonso Cedrán incluirá imágenes de manifestaciones que cuestionan la libertad de reunión, el diseño de la portada y la carpeta interior fueron obra de Juan Genovés o Alberto Corazón intentará colar (sin éxito) una bandera republicana en el diseño del disco de Gomá titulado 14 de Abril y publicado en 1975.

José Bort y uno de sus diseños para portada de disco

Los singles se hicieron muy populares, eran de fácil acceso y se utilizaban habitualmente en lugares de baile que se extendieron por las ciudades y los pueblos de España. Gracias a ellos conoceremos algunas de las primeras figuras internacionales cuyos trabajos se editaban en España desde mediados de los años 50. Esta nueva música (el rock) que llegaba al país, tendrá su continuidad con la aparición de nuevas estrellas españolas que comenzarán su andadura a los largo de los años 60 y cuyos diseños de portadas ayudan a introducir el arte pop, años antes de que adquiera su mayor desarrollo pictórico. Se trata de artistas que siguen la estela del rock como Los Relampagos, Mike Rios, el Duo Dinámico o las portadas diseñadas en España para editar algunos éxitos extranjeros, donde encontramos los diseños protopop de José Bort, portadas para los Rolling Stones que introducen colores ya utilizados por Andy Warhol o Pop Tops, cuya portada se basa en una imagen de Roy Lichtentein y fue creada por Alberto Schommer en 1967. Pero no solo los nuevos estilos musicales participan de esta estética innovadora, sino también algunos cantautores catalanes contarán con Jordi Fornás que cambiará el diseño tradicional de las portadas, con la introducción de diferentes elementos que aluden no solo a la foto sino también al diseño tipográfico de las carátulas.

Pop Tops. Viento de Otoño. Diseño portada Alberto Schommer en 1967

Sin duda la exposición Pop Tops, comisariada por Javier Panera Cuevas y que tiene lugar en el Museo Carmen Thyssen de Málaga hasta el 4 de Septiembre de 2016, parece una parada imprescindible para todos aquellos que quieren conocer un poco más sobre la introducción del arte pop en España y observar como la música y las artes visuales, se fusionan para introducir un nuevo estilo que, en algunas ocasiones, servirá también como máquina de reflexión sobre la situación que vive el país en aquel momento.

The Rolling Stones. Satisfaction. 1965. Diseño José Botía

domingo, 1 de mayo de 2016

Escultura hiperrealista contemporánea. Eugenio Merino

Si bien todos los artistas que hemos visto en esta serie han sido extranjeros, hoy nos ocupa uno de los grandes representantes españoles que también se dedican de una forma magnífica a la escultura hiperrealista, se trata de Eugenio Merino.


Antes de decantarse de forma contundente por la escultura, Eugenio Merino, practicaba otras disciplinas como el dibujo, el vídeo o la instalación, utilizando en muchos casos imágenes recurrentes de la iconografía pop, asociada en muchos casos a dibujos famosos que se pueden ver en películas o televisión, hablamos de figuras relacionadas con Walt Disney o bien personajes que aparecían en la famosa serie Los Simpson.
No será hasta el año 2005 cuando el artista se decante por la escultura hiperrealista. Él mismo ha reconocido en más de una ocasión que la primera vez que pudo ver la obra de Tony Matelli en España, le cambió su forma de concebir el arte y como debía dedicarse a la escultura hiperrealista.
Desde ese momento ha realizado todo tipo de figuras, muchas veces polémicas por tratarse de figuras políticas de primer nivel, que normalmente general odios y anhelos por parte de defensores y detractores, lo cual le ha valido incluso alguna denuncia por parte de instituciones o fundaciones que representan a estos personajes.


Pero lo cierto es que Eugenio Merino no se queda solo en la representación escultórica sino que siempre busca la reacción del espectador. La reflexión ante sus obras es tan importante como el mensaje irónico y en muchos casos divertido, que lanza el artista, como por ejemplo el poder ver algunos de los principales líderes como un puch in ball, donde aparecen con la cara magullada por algunos de los golpes recibidos.
Muy divertida parece también la imagen de Damien Hirst, uno de los totems del arte contemporáneo muriendo de éxito, como otros muchos artistas, invocando el suicidio par dejar un bonito cadáver, como le ha sucedido a muchos de los más famosos cantantes, convertidos en referencias míticas, como por ejemplo Kurt Cobain o James Dean.


El presentar a Francisco Franco metido dentro de una nevera de Coca Cola donde se puede sacar y meter a gusto de la persona o el momento en que estemos nos parece una gran idea y se ajusta a la realidad de lo que sucede en la política del país. Algo parecido sucede cuando vemos la figura de Fidel Castro avanzando como un Zombie por los pasillos del Museo de Arte. Como vemos, el artista no toma posición política sino que simplemente pone su obra para que sean sacadas las conclusiones por cada uno de los que puede contemplarla.
Y todo ello con un estilo que nada tiene que envidiar a algunos de los más grandes escultores contemporáneos, aunque como suele suceder en este país, siempre se reconoce más a los de fuera que a los de casa, aunque sean mejores que los otros.

Figur oliendo un bote abierto de "Mierda de artista"

miércoles, 27 de abril de 2016

Cristo en casa de Marta y María de Diego Velázquez

El artista sevillano es uno de los grandes creadores de todos los tiempos, no solamente porque domina la técnica sino porque es capaz de innovar y no quedarse parado con lo que ya sabe hacer. Velázquez busca nuevos caminos para la pintura y experimenta con ella adelantándose a otros artistas, de manera que podemos observar algunas obras que tienen características del impresionismo, por citar alguno de ellos. Para aquellos que quieran conocer un poco más la biografía de Velázquez pueden seguir el enlace que adjuntamos. 


La pintura que hoy nos ocupa fue realizada durante su estancia en Sevilla anterior a su traslado a Madrid, se trata de una etapa de formación y consolidación de su arte y su forma de pintar, realizada junto al maestro Francisco Pacheco con el que trabajaba en su estudio y que fue quien le consiguió gracias a sus contactos su traslado a la corte en el año 1621.
No conocemos exactamente la fecha de realización pero podemos citar 1618 o 1619 como el año en que estaría realizado este cuadro.
Velázquez utiliza una técnica que ya había utilizado en otra de sus obras, La Mulata, se trata del cuadro dentro del cuadro, es decir en un mismo cuadro tenemos dos escenas diferentes pero conectadas entre si por alguno de los personajes que aparecen en el cuadro. Una ventana se abre en la parte derecha del cuadro donde podemos observar otra escena independiente de lo que sucede en primer plano.
La historia hace referencia a una visita que Cristo realizaría a la casa de Marta, María y su hermano Lázaro, que no aparece en la escena, pero lo citamos por la gran amistad que la familia tenía con Jesús y que sería el motivo de la visita del maestro a la casa. Mientras Marta prepara la comida, vemos como María extasiada, se encuentra escuchando las palabras que Jesucristo sentado le dirige. Tenemos una mujer mayor que nos sirve como enlace entre las dos escenas y que da impresión de estar reprochando a Marta mientras está en la cocina, que su hermana María no le ayuda en nada y que se dedica solo a escuchar las palabras de Jesús, mientras ella se encuentra trabajando. 
Junto a eso encontramos una de las características de Velázquez en esta época y es el tratamiento casi fotográfico que tienen los elementos del bodegón representados encima de la mesa, los huevos, los ajos, el pescado, el mortero que Marta tiene entre sus manos, son tan realistas que parecen casi de verdad. Incluso llegamos a ver un detalle de una pequeña jarra en la segunda escena apoyada encima de una pequeña mesa.
Este tipo de escenas dobles influirán mucho en otros artistas como Salvador Dalí que realizará algo parecido cuando pinte La Muchacha apoyada en la Ventana, obra del año 1925, poco antes de iniciar su etapa surrealista.

domingo, 24 de abril de 2016

Escultura hiperrealista contemporánea. Tony Matelli

Durante las últimas semanas hemos dedicado varias entradas a algunos artistas que realizan figuras hiperrealistas y que tienen la escultura como disciplina de trabajo. Se trata de escenas que no dejan indiferente al espectador porque los materiales utilizados y el trabajo del artista permite contemplar figuras que fácilmente pueden confundirse con un humano real. El color de la piel, las arrugas, los gestos, los añadidos nos llevan a la confusión y nos despistan cada vez que las contemplamos. Artistas como Ron Mueck o Patricia Piccini forman parte de esta serie.


Hoy es el turno de Tony Matelli, un artista norteamericano nacido en Chicago en el año 1971 que vive y trabaja en New York, en esta ciudad se graduó en Bellas Artes. Le ha acompañado la polémica en alguno de sus trabajos debido al hiperrealismo de sus obras y a la provocación que trata de que el espectador reaccione ante ellos.
En su obra encontramos representaciones humanas, pero también animales, plantas y objetos de uso cotidiano. Es curioso que este artista suele trabajar con materiales metálicos para muchas de sus obras, el bronce por ejemplo es uno de ellos, materiales que son coloreados con aerografo para darle después esa apariencia natural.


La crítica social es algo inherente a su trabajo, se trata de obras que nos hablan en muchos casos de normas de comportamiento que pueden ser alteradas. En un mundo dominado por el individualismo y las apariencias de cara a la aceptación social, Tony Matelli nos muestra problemas internos que nos desvelan cuan vacíos se encuentran esos personajes despojados de ayuda y tratando de ocultar sus debilidades. En un mundo en el que parece que está todo delimitado y fijado, sus figuras tratan de mostrarse tal como son, con sus múltiples defectos, lejos de una realidad en muchos casos rutinaria.
Por ejemplo en su obra Total Torpor, Mad Malaise, que fue mostrada en España por primera vez en el año 2005, se aprecia una figura posando como si fuera una odalisca, pero con múltiples defectos en su cuerpo del que destacan varias protuberancias que convierten la figura en altamente desagradable, al tiempo que unas latas de cerveza se encuentran a sus pies como símbolo de consumo.


Josh es una de sus obras más conocidas, se trata de un joven flotando o levitando que se encuentra perfectamente vestido, con los pies descalzos y mirando el cielo de forma perdida, como si estuviera tratando de elevarse concentrándose en un punto, cosa que parece estar consiguiendo.
Sleepwalker es otra de sus series que representa a varios personajes sonámbulos que desfilan en ropa interior y que, en principio fueron situados en el exterior de un recinto universitario en la Universidad de Wellesley donde estudian 2.300 mujeres, ya que no es una universidad masculina. La obra generó una fuerte polémica, quizás por su forma de vestir, en un puritanismo sin duda fuera de lugar.
Como podemos apreciar sus obras no dejan indiferente al espectador, lo cual es muy bueno y una de las finalidades del arte contemporáneo y en este caso trabajando con escultura hiperrealista.


miércoles, 20 de abril de 2016

Dibujos de arquitectura para colorear

Hace poco incluíamos en nuestro blog un apartado con algunos de los cuadros más famosos de la historia del arte para que los niños los pudieran colorear y así desarrollar su parte más creativa bien imitando los originales o dando rienda suelta a su imaginación.
Hoy queremos dedicar esta actividad a la arquitectura para colorear, tratando diferentes aspectos que pueden ser destacables tanto a nivel de los edificios que queremos pintar como de los elementos estructurales que los componen y que pueden enseñar a los niños a diferenciar lo que es cada uno de ellos y cual es la función que tienen dentro del edificio.


Como en ocasiones anteriores en los links incluidos existe la posibilidad de que los niños pinten online con el ratón del ordenador o bien imprimir el dibujo y que los niños con los lápices o rotuladores vayan rellenando de color las hojas con los dibujos 
Comenzamos con el apartado dedicado a los edificios para colorear donde podemos encontrar diferentes tipos de construcciones, desde una iglesia, un castillo, una sinagoga, una basílica, una fábrica. Esto nos puede servir también para explicar a los niños la función de cada uno de estos lugares.
En segundo lugar tenemos el apartado de construcciones para colorear donde podemos encontrar diferentes tipos de columnas o arcos, monumentos o algún obelisco conmemorativo.
El tercer apartado está dedicado a dibujos de turismo para colorear donde contamos con edificios como el Arco de Triunfo en París, la Casa Blanca, la Torre Eiffel, el Partenón de Atenas o el Mausoleo de Halicarnaso, sin olvidar la Torre de Pisa o el Coliseo Romano en versión original o bien solo lo que queda de él.
Son algunas plantillas para colorear que, como digo, pueden ayudarnos bien a conocer un poco más aquello en lo que los niños están trabajando como a desarrollar su creatividad con estos dibujos para colorear en el ordenador o bien imprimirlos para que trabajen en casa.


domingo, 17 de abril de 2016

Escultura hiperrealista contemporánea. Patricia Piccinini

Dentro de la serie que estamos dedicando a la escultura más cercana a la realidad en nuestra sociedad contemporánea, hoy dedicamos nuestro post a una artista multidisciplinar, es decir que no solo se dedica a la escultura, sino que también ha trabajado con otros medios para expresar su arte, como puede ser la pintura, el vídeo, el sonido o la instalación.


Patricia Piccinini reside en Australia, aunque su lugar de nacimiento es Sierra Leona, donde vió la luz en el año 1965, aunque su vida artística está unida a Australia, lugar donde ha recibido varios premios como el que le otorgaron en 2014 por la Fundación de Melbourne para las artes visuales.


Lo primero que nos llama la atención en las esculturas de Patricia Piccinini son los personajes que aparecen representados, ya que se encuentran a medio camino entre el hombre y el animal. Se trata de figuras donde los rasgos humanos y los rasgos animales se mezclan de forma tan curiosa que nos hacen reflexionar y no nos dejan indiferentes cuando las contemplamos. Así podemos encontrar caras de cerdo con cuerpo de hombre o mujer, bebes recién nacidos con trompa de elefante o caras humanas con cuerpo de perro.


La artista hace alusión con estas figuras a los avances de la ciencia y sobre todo, de la genética, adelantándose a algunos experimentos que se pueden llevar a cabo cuando se juegue excesivamente con este tipo de mezclas, de las cuales ya se ha hablado bastante con la clonación de algunos animales, alguno de ellos reales y en otros casos, simplemente por el ansia de aparecer en los medios de comunicación.
Indudablemente los premios reconocen su trayectoria, sus figuras aportan, además de una perfecta realización y ejecución, una buena dosis de espectáculo, que aparece como algo tan necesario en nuestra sociedad. Un espectáculo asociado a las imágenes impactantes y llamativas, que en muchos casos pasan a convertirse en arte.


miércoles, 13 de abril de 2016

Fotografía básica para niños. El marco natural.

Durante las últimas semanas estamos dedicando una serie de post a algunos temas básicos de fotografía destinados a aquellas personas que quieren no simplemente tomar fotografías sino realzar los aspectos artísticos de las mismas para aumentar el número de vistas o simplemente hacerlas más atractivas. Por ello hemos dedicado temas de la fotografía de paisaje y algunas reglas básica como la regla de los tercios o la regla del horizonte.

Fotografía Rafael López Borrego

Hoy dedicamos el texto a hablar sobre la posibilidad de utilizar marcos naturales en nuestras fotos y con ello que la composición de nuestras fotografías gane enteros gracias a este recurso.
Buscar marcos naturales nos va a ayudar a centrar la atención del espectador en aquello que queremos destacar en nuestra fotografía. Podemos encontrar o utilizar todo tipo de marcos, los habrá con formas irregulares y deberán adaptarse a las formas incluidas dentro de ellos , los encontraremos con distintas formas geométricas que quizás sean los más habituales, algunas formas arquitectónicas también nos pueden ayudar en el enmarcado, nos referimos al uso de un arco del tipo que sea, una ventana o una puerta o bien un cartel a través del cual se ofrezca una vista de lo que queremos representar. También existe la opción de no utilizar estos elementos arquitectónicos y utilizar marcos con elementos naturales como por ejemplo las ramas o los troncos de una árbol o la vegetación a través de la cual se observa nuestro principal punto de atención. Por último también nos puede servir como marco el desenfoque de los objetos laterales para así realzar la vista en aquello que más nos interesa.


Fotografía. Rafael López Borrego

Una de las cosas que nuestras fotos van a adquirir con un marco natural es profundidad, el marco nos ayuda a crear diferentes planos, dando la sensación de que el objeto que se encuentra al fondo está mas lejano al tener que componer la imagen en nuestra mente.
Ya hemos comentado que el centro de atención se realza y también el orden de los objetos representados dando una mejor sensación en la estructura general de la fotografía al tener en cuenta que va esta representado primero y después.
Algunos pintores también han usado este recuro en sus obras, estamos pensando en Velázquez y obras como La Mulata o Cristo en Casa de Marta y María o bien Salvador Dali en la obra del año 1925 Muchacha apoyada en la ventana.

Fotografía. Rafael López Borrego