domingo, 15 de octubre de 2017

¿Qué es el arte conceptual?

Este movimiento ligado al arte conceptual surge durante la década de los 60 del siglo pasado. Se trata de que la idea es más importante que el objeto artístico, que en muchos casos queda reducido a la nada, porque más que la presencia física del objeto, se busca la implicación del espectador, a través de una reflexión, cobre el tema planteado.


Gran parte de las obras de arte contemporáneo se basan en esta idea, algunos artistas tratan de unir la belleza estética con la idea conceptual. Ha calado tan fuerte en nuestra sociedad que se demanda que la obra tenga una lectura mucho mayor que el objeto que podemos contemplar en una de las salas del museo.
Hablamos de un grand desarrollo en los 60 pero en realidad las primeras incursiones sobre estas ideas tienen lugar con los readymades realizados por Marcell Duchamp en la segunda década del siglo XX. Uno de los ejemplos más conocidos es su provocación presentando a un concurso un urinario que llamó "La Fuente" en el año 1917. Se trataba de descontextualizar el objeto y sacarlo de su función habitual para llevarlo al museo y que, solo por este hecho, pasara a convertirse en una obra de arte.

Robert Rauchenberg. Dibujo de de Kooning borrado

Vamos a poner otro ejemplo, que será una buena manera de comprenderlo. Piero Manzoni es uno de los más conocidos artistas conceptuales, presentó una obra que consistía en varias latas que incluían mierda producida por el propio artista. Las latas en cuestión se vendían por peso, pero su peso en oro, como si fuera un objeto de un valor inmenso. Las latas en si son el objeto físico, pero tras ellas se encuentra una reflexión acerca del mundo del arte y la importancia que adquiere el artista dentro de ese mundo.
Otro ejemplo, una obra conceptual puede ser perfectamente una frase escrita en las paredes del Museo que nos invite a reflexionar sobre un tema concreto. Se trata de maneras de protestar sobre algunos temas que se expresan mejor con ideas que con obras. Pensemos en algunos de los temas que estaban de moda cuando surge el movimiento y que levantaron bastante polémica en la sociedad de la época. Hablamos de eventos como la guerra de Vietman, los movimientos feministas o las nuevas formas de comunicación e información.
El arte conceptual afectó a todas las disciplinas, tenemos compositores de música experimental como John Cage, o artistas performativos que desarrollan sus ideas a través de la expresividad del cuerpo, fotografía o vídeo son algunos de los soportes más comunes que utiliza el arte conceptual, junto con los ya citados textos.

Jason Rhoades. Instalación

domingo, 8 de octubre de 2017

¿Qué es una performance?

La palabra performance es un anglicismo que significa interpretar o representar. Se trata de una actuación. Esta palabra se ha difundido sobre todo a partir de los años 60 asociado al arte performativo, se trata de un arte en vivo, en la mayoría de los casos utilizando el cuerpo como medio de expresión.


Hablamos de los años 60 como inicio del arte performativo pero durante la segunda década del siglo XX hay algunos movimientos de vanguardia que van a utilizar en circuitos alternativos de exposición, la representaciones de diferentes acciones utilizando el cuerpo como sostén artístico. Dadaistas, futuristas, surrealistas, serán algunos de los que van a utilizar este tipo de acciones.
Dentro de este tipo de representaciones se incluyen todo tipo de artes, teatro, danza, poesía, instalaciones, son solo algunos de los escenarios que se representan durante la performance.
Una de las desventajas de la performance es que como hecho artístico no se dispone de ningún objeto físico como en pintura o en escultura para poder vender. En algunos casos lo que se hace durante la performance es tomar fotografías o grabar en vídeo que luego son vendidas en el mercado del arte como recuerdo de la acción llevada a cabo, es la manera de rentabilizar de alguna manera este tipo de representación.
Joseph Beuys es alguno de los mayores representantes de la performance o de la acción artística que orientaba como crítica social para concienciar a la gente sobre hechos que afectan a la sociedad. Fue el máximo representante del grupo Fluxus. Beuys mostró su gran calidad artística usando elementos como animales muertos, papel, paja o árboles en peligro.


Otro de los artistas que más se ha dedicado a la performance es Marina Abramovic, esta artista ha realizado acciones durante toda su vida y es una de las artistas contemporáneas más consideradas. En una de sus últimas exhibiciones en el MOMA de Nueva York sentada en una silla miraba fijamente a los ojos durante un tiempo a todo el que quería sentarse frente a ella.
Una de las características de la performance es el carácter de sorpresa que tiene, puede anunciarse pero en muchos casos no se hace y la propia gente que está en la calle o que acude a un museo, se puede encontrar con ese tipo de acción para seguirle o verse inmerso en la misma como participante activo. Junto a ello existe un gran factor de improvisación en muchas de estas acciones.
El arte conceptual o la estética conceptual juega un gran papel en la performance, se parte de una idea y se intenta interpretar esta idea de forma teatral, invitando al público a reflexionar sobre esas ideas mientras se lleva a cabo la acción performativa.
El escenario puede ser cualquiera, no necesariamente tienen que representarte performance en un Museo, sino que una calle, una estación de tren, un centro comercial o una tienda pueden ser el escenario escogido por el artista para sorprender al público.



domingo, 1 de octubre de 2017

El sistema del arte contemporáneo

¿Te interesa saber como funciona el sistema del arte contemporáneo? ¿Cuales son los agentes que intervienen para poder llegar a ser un artista conocido? Fuera del sistema del arte solo queda la mas absoluta irrelevancia. Tu obra nunca será conocida ni apreciada por el gran público.
Conocí un chico que hizo todo lo posible por entrar en el sistema del arte, invitaba a los diferentes agentes a visitar su estudio y enseñarles su obra. Mandaba proyectos a diferentes galerías y museos. Acudía a todo tipo de inauguraciones para ser visto. Comentaba en charlas y debates con intención de hacerse notar. No era un mal pintor, su obra podría haber estado en cualquier galería. Pero nunca fue capaz de encontrar una que quisiera representarle. Ningún museo realizó una exposición suya. Ningún crítico hablaba sobre su trabajo o sobre la oportunidad que merecía. No entró dentro del sistema del arte. Al cabo del tiempo abandonó la idea y no se ha vuelto a saber de él. Esta fuera del sistema y por tanto su trabajo nunca será reconocido por los agentes que trabajan en el mundo del arte. Podrá realizar exposiciones pero en un circuito alternativo que se encuentra lejos del reconocimiento oficial.


Esta historia y otras más pueden leerse en el libro "El sistema del arte contemporáneo" que acabo de publicar en formato kindle en Amazon. Allí encontrareis numerosos ejemplos como este relacionados con el mundo del arte. En ellos aparecen implicados los distintos agentes que trabajan juntos y que como decimos son tan importantes para este mundo. ¿Sabes cual es el porcentaje de ventas que se lleva una galería cuando realiza una exposición de un artista? ¿Conoces como manejan los museos los datos relativos al público que los visita? ¿Que tiene más fuerza para mover al público una buena crítica de arte o la publicidad en una marquesina de autobús? Estas son algunas de las preguntas que nos planteamos en este libro descubriendo el papel pasado y presente de artistas, museos, marchantes de arte, ferias, subastas, críticos, público y demás piezas que forman parte del engranaje del arte contemporáneo.
¿Eres artista y quieres llegar a triunfar dentro del mundo del arte? ¿Te gustaría ser una persona reconocida gracias a tu obra? En este libro encontraras las pautas y las dificultades a las que te tienes que enfrentar para poder llegar a lo más alto. Es complicado pero posible.

domingo, 24 de septiembre de 2017

El arte efímero explicado a los niños

La propia palabra que estamos utilizando para definir este tipo de arte, nos habla sobre su fugacidad, es decir, sobre expresiones artísticas que no duran en el tiempo, que no prevalecen sino que duran un tiempo determinado y después desaparecen sin poder conservarse, por ejemplo, en un Museo. Es una obra o una expresión que no se puede conservar.


Quizás lo primero que haya que hacer sea hablar de aquello que entendemos por arte, es decir, en la antigüedad el arte estaba unido a la belleza estética, tanto de los personajes como de los objetos representados. Pero esta idea comienza a cambiar a principios del siglo XX, donde las expresiones artísticas abandonan en muchos casos la belleza para transmitir una idea o un concepto que sirve como base para la comprensión de esa obra y le da carácter propio. Para entender lo que significa este tipo de arte, si podemos definirlo así, debemos cambiar nuestra mentalidad y pensar en él como algo que no es tangible, que existió en un momento determinado pero que no volveremos a disfrutar de él.
Vamos a poner un ejemplo simple de algo que sucedió en el año 1899, porque ese es el año de construcción de la Torre Eiffel coincidiendo con el aniversario de la revolución francesa y con la exposición universal que tenía lugar en París en ese mismo año. Esta torre estaba destinada a ser una obra de arte efímero, mas concretamente de arquitectura, ya que pensaba destruirse una vez finalizada la exposición. Pero el edificio gustó tanto que, una vez finalizada, decidieron conservarla, y como sabéis se ha convertido en un símbolo de la ciudad de París visitado por cualquier turista que se acerque a la ciudad. Una obra destinada a ser efímera se convirtió en permanente.


Pensemos ahora en un artista que realiza una acción o una performance, gente tan conocida como Joseph Beuys o Marina Abramovich, su obra dura el mismo tiempo que tiene lugar el evento, si no estás allí te lo vas a perder ya que sino no hay manera de apreciarlo. Bien es verdad que en muchos casos estos artistas juegan con la fotografía y el vídeo para dejar constancia de la acción que ha tenido lugar, obras estas que a falta de otro material se venden en el mercado del arte como recuerdo de eso que pasó y donde no pude estar o bien eso que este artista realizó en este lugar.
Igual puede suceder con algunas instalaciones que se realicen en Museos y que cambian de uno a otro, ya que los espacios serán distintos y habrá que adaptarlo y colocarlos de una forma u otra, creando una obra diferente en cada ocasión.
Hay algunas manifestaciones que tienen conexión con este tipo de arte y que son hechas para un momento y, como decimos, luego desaparecen. Por poner algunos ejemplos, pensemos en el peinado, es algo que no se conserva, al día siguiente y después de dormir el pelo no se conserva de la misma manera. La moda también nos sirve, muy asociada al arte en muchas ocasiones, permanece, mas tiempo que un peinado, pero como sabemos cambia cada temporada y lo que hoy es tendencia mañana puede cambiar y ya no sirve. Algo similar podríamos decir sobre el maquillaje o el Tattoo o el piercing. ¿Que pasa con la gastronomía? ¿Lo consideramos arte efímero? Porque el cocinero se afana en realizar una presentación lo más agradable posible o cargada de un discurso conceptual, pero eso va a desaparecer a los pocos minutos, se trata de una primera impresión que entra por los ojos y otros sentidos para desaparecer en nuestra boca al momento de ingerirlo.
Pensemos en el Grafiti, realizado como expresión artística, muchos ayuntamientos tratan de mantener sus ciudades uniformes y se dedican a pintar sobre estos grafitis que en su mayoría han sido realizados de forma ilegal. Es decir no están hechos para perdurar ya que pueden ser borrados en cualquier momento.


domingo, 17 de septiembre de 2017

¿Sabía pintar Pablo Picasso?

Algunas de las personas que observan los cuadros cubistas de Pablo Picasso a veces ponen en duda su capacidad como pintor. Ello es debido a que una de las características del cubismo es la simpleza en la composición de las formas que en muchos casos, las reducen a la mínima expresión. Por ello da la sensación que cualquiera puede repetirlo e reproducirlo sin problema ya que con unas simples líneas podríamos componer una figura u objeto. Pero todo tiene una explicación y de ello vamos a hablar en este post.


Ante la pregunta de si Picasso era buen pintor, la respuesta es que si. Si entendemos por un buen pintor alguien que domina la técnica y que es capaz de representar con realismo personas y objetos colocados en tres dimensiones. Si es así Picasso, como otros muchos artistas, tiene un perfecto conocimiento tanto de las técnica pictórica como de las proporciones de los personajes u objetos representados.
Esto podemos observarlo en algunas de sus obras de primera época. Sus primeros cuadros, que pinta con tan solo 16 años, son un buen ejemplo de dominio de la técnica. Se trata de dos obras de tipo costumbrista que realiza utilizando como modelos a personajes de su familia. Llevan por título "Ciencia y Caridad" y "La primera comunión" y en ellas podemos observar un perfecto uso de la pintura y sus proporciones, al mismo tiempo un realismo casi fotográfico y un detallismo típico de las pinturas costumbristas, que estaban de moda en España en la época en la que Picasso realiza estos cuadros, estamos hablando de una fecha cercana al año 1896. Picasso había nacido en el año 1881.
A partir de el comienzo del nuevo siglo Picassso abandona esta forma de pintar junto con algunas incursiones modernistas para adentrarse en la "etapa azul" que con el paso de los años desembocará en las formas cubistas cuyo primer cuadro fue realizado en el año 1907 con el título de "Las señoritas de Aviñon".


Como decía el cubismo tiene tres características principales, una es la reducción de las formas a líneas bastante simples, otra de ellas sería la eliminación de la tercera dimensión, observando en el cuadro solo ancho y alto, pero no profundidad. Y la tercera es la descomposición de formas y objetos con el fin de que puedan ser observados desde distintos puntos de vista. Todo con la idea de competir con la fotografía, la pintura, en esta ocasión Picasso, quiere ir más allá y ofrecer algo nuevo, completamente diferente, algo no visto hasta el momento y que la fotografía no pueda realizar, porque para hacer un retrato siempre la cámara será más perfecta que la mano del pintor. Pero descomponer una cara, por ejemplo, y observarla desde varios puntos de vista, para la fotografía es imposible porque su punto de vista será único.
Por tanto debemos concluir que Picasso sabía pintar perfectamente, pero que no quería ser un buen pintor más, sino alguien capaz de aportar algo a la historia del arte, un pintor revolucionario, alguien capaz de crear algo nuevo, diferente, algo no hecho hasta ese momento.


domingo, 10 de septiembre de 2017

La Torre de Pisa para niños

La torre inclinada de Pisa es en realidad un campanario construido para llamar a la gente a acudir a la Catedral de esta ciudad, situada en la zona de la Toscana, en Italia.
Una de las cosas que más llama la atención, incluso sobre la arquitectura del edificio, es la inclinación de la torre. Esta inclinación estuvo presente desde el principio. Parece claro que los cimientos no eran lo suficientemente sólidos para sostener el peso de la torre, a ello se unía la debilidad del terreno que tampoco tenía la estructura adecuada para este tipo de construcción. Hay que decir que la torre no se construyó toda de una sola vez sino que tiene diferentes fases de construcción, tres son las más importantes, esas pausas sirvieron en parte para intentar corregir la inclinación y para que el edificio fuera asentándose poco a poco en el terreno.
La construcción de la torre comenzó en época románica y, aunque fue terminada mucho más tarde, se respetó la estructura original del edificio.
Este consta de ocho plantas, la base se compone de una serie de arquillos ciegos que apoyan en columnas con unos capiteles corintios muy esbeltos. Este tipo de solución ya se había visto en el románico con finalidad decorativa en la zona de Como (en Italia) donde algunos maestros decoraban el exterior del altar de la iglesia con este tipo de solución. Esta decoración pasó a España y podemos observarla en iglesias del primer románico de la zona catalano-aragonesa, técnicamente esta forma de decorar los ábsides se conoce con el nombre de "bandas lombardas". Algunas de las iglesias más cconocidas son las de San Clemente de Tahull o el Castillo de Loarre en la provincia de Huesca.
La Torre de Pisa continúa con 6 cuerpos de arcos de medio punto, también muy elegantes apoyados en columnas de tipo corintio.
El piso superior es el piso de campanas donde también se utilizan este tipo de arcos aunque decorados con distintos colores ya que las dovelas de los mismos alternan colores blancos y negros. Siete son las campanas que encontramos en la parte superior cuya altura total es de 55 metros.
La torre se inclinó desde el principio y no ha parado de hacerlo hasta ahora. Desde 1990 tras un estudio de ingenieros y arquitectos han logrado quitando tierra de la base que la inclinación se pare, ya que era posible el derrumbe de la torre debido a la misma en poco tiempo. Según ellos tal como se encuentra ahora mismo puede aguantar sin inclinarse doscientos años más.


domingo, 3 de septiembre de 2017

¿Qué es un collage?

Estamos ante una de las técnicas artísticas más utilizadas en la actualidad pero no tan antigua en el tiempo ya que se viene realizando desde hace algo más de 100 años. Fue Pablo Picasso quien en 1912 presentó su obra Naturaleza Muerta con silla de rejilla, la cual se considera el primer collage de la historia del arte. 


La palabra collage es de origen francés, se trata de unir diferentes elementos que pueden ser imágenes, fotografías, recortes de prensa, papeles pintados o bien diferentes materiales (cuero, telas, cartón, plásticos, madera) que juntos forman una unidad que suponemos mantiene cierta coherencia.
Muchas de las obras del cubismo sintético están realizadas con esta técnica así que no solo debemos de hablar de Picasso porque Braque o el propio Juan Gris también utilizaron esta técnica.


Pero el collage no es algo exclusivo del cubismo, ya que otros estilos de vanguardia también van a utilizar el collage como método de creación de obras. Los dadaistas por ejemplo utilizaron el collage porque era una de las formas más simples de composición, al alcance de cualquiera que pudiera dedicarse al arte, desde un niño a un adulto sin conocimientos de composición. Es habitual encontrar en este tipo de obras combinaciones de diferentes fotografías y textos que serán retomados años más tarde por la estética punk a finales de los setenta, estamos hablando de artistas como Jamie Reid, que diseñó algunos de los singles de la banda Sex Pistols.
Pero también otros movimientos de vanguardia usaron el collage, por ejemplo el futurismo, el surrealismo, el constructivismo, el arte pop. Desde su nacimiento hay múltiples autores que se apuntaron al movimiento que se sigue utilizando en la actualidad. Artistas contemporáneos tan cotizados como Damien Hirst han utilizado el collage para algunas de las series de obras que le han hecho famoso y al mismo tiempo siempre son motivo de escándalo.
El collage más habitual se realiza con papeles pintados o cartulina que se colocan sobre el lienzo y se pegan habitualmente con cola blanca. 
Otro tipo de collage sería el que usa materiales sólidos bien sean maderas, metales de todo tipo, telas, juguetes viejos u objetos de desecho. El soporte debe ser consistente ya que no solo hay que sujetarlos sino también soportar el peso de los materiales incorporados.
El collage con pintura trata de combinar diferentes capas de pintura cada una de ellas con un grosor determinado, aunque puede incorporar otros materiales como viruta, serrín o plástico.