domingo, 20 de abril de 2014

El papel del coleccionista dentro del Sistema del Arte

El coleccionista tiene un papel esencial dentro del sistema del arte contemporáneo, es más podríamos afirmar que sin él el mercado no existiría. El coleccionista es un comprador asiduo de obra artística, lo hace porque le gusta y en vez de comenzar un a colección de otra cosa lo hace con obras de arte de diferentes artistas o épocas.


Al coleccionista hay que cuidarlo y deben ser las galerías de arte las encargadas de ese papel. Las galerías con la promoción de los diferentes artistas deben incitar a sus clientes a la compra y meter dentro de las personas con sensibilidad artística el gusanillo para que inicien o bien para que completen una colección de obras de arte que, en muchos casos, se antoja interminable.
En España el coleccionista de arte es un  ser extraño de encontrar, en la época de expansión económica muchas galerías dependían de las compras institucionales que invertían dinero a raudales en comprar obras a veces sin mucho criterio y también es cierto que el sucio dinero negro se acercó al arte contemporáneo con el fin de blanquearse asociado a sectores como el  de la construcción. Pero todo eso se acabó, ya no hay dinero institucional ni de la construcción y al hacer repaso de los coleccionistas que quedaban, las propias galerías se dieron cuenta que habían dormido una gran siesta en este aspecto y que, como el dinero llegaba, no había previsto la época de vacas flacas con un coleccionista al cual estos vaivenes económicos le daban igual porque era fiel y constante en su compra.
En algunos casos se ha llegado a comparar al coleccionista con un mecenas de la actualidad, en realidad son las personas que sostienen el sistema del arte y los que con sus compras hacen prosperar a los artistas.
Pensemos además que una colección buena y completa no se ha hecho para quedar encerrada en un almacén, la mayoría de ellas, posiblemente quedarán depositadas en un Museo o en una Fundación y podrán ser contempladas por el público.
Al mismo tiempo también debemos señalar que hay coleccionistas y galerías con ellos que se dedican a especular con la compra de obras de arte, pensemos en Charles Saatchi y su colección de Young British Artist que se encuentra en Londres y que si quieres visitar debes pasar por taquilla para acceder a ella.

domingo, 13 de abril de 2014

La sala de las 100 columnas en el parque Güell


El parque Güell en Barcelona es uno de los monumentos más representativos de la arquitectura de Antonio Gaudí. El parque se construyó como un lugar de recreo y fue planificado para que hubiera una perfecta integración entre los elementos arquitectónicos y la naturaleza, incluso llegando en muchos casos a imitar esas formas naturales en muchas de las construcciones que jalonan el parque.
La sala de las 100 columnas se encuentra unos metros más adelante de la entrada del parque, tras atravesar la entrada y dejar atrás los pabellones que la flanquean tenemos delante de nosotros una escalera con un dragón echando agua en la parte central, símbolo del patrono de la ciudad de Barcelona, es decir San Jorge. Tras subir la escalera nos encontramos de lleno con esta sala, que quizás quiere recordar algunos de los antiguos templos que se construían en época griega o romana.
La sala de las 100 columnas tiene este nombre pero el número de columnas que podemos encontrar es solamente de 86. Hay una cosa que llama mucho la atención, si analizamos los elementos de una columna clásica, encontramos que son principalmente tres (esto es matizable dependiendo del tipo de columna), tenemos una base que apoya directamente sobre el suelo, tenemos un fuste que puede ser liso o estriado y tenemos un capitel, del que hay muchos tipos, quizás los más conocidos sean el dórico, jónico y corintio. Bueno pues al contemplar las columnas de este edificio da la impresión de que lo que ha hecho Gaudí es darles la vuelta, es decir la base es lo que está sujetando las bóvedas y el fuste va en dirección hacia abajo. La verdad es que no importa, en este caso, la posición en la que tengamos al columna, lo que importa es que sujete el peso del edificio. En este caso, cumple la función a la perfección. 
Debido a esta última afirmación es igual que las columnas estén rectas, es decir los fustes rectos o torcidas con los fustes en posición diagonal, como ocurre con algunas de las columnas de esta sala, si sujetan el peso están cumpliendo su función y por tanto estaríamos contemplando como Gaudí lo hace correctamente, no solo en la función arquitectónica sino en la innovación que supone dar la vuelta a las columnas o colocarlas en posiciones que hasta ese momento no habían sido apreciadas en el arte.
Como hemos dicho el techo la columnas sujetan un tipo de bóvedas también algo extrañas para la historia del arte, ya que son ovales y se han utilizado muy poco hasta ese momento, quizás en la última fase del barroco en algunos edificios pero nada más. Todas decoradas y llenas de color con vivos mosaicos que son tan del gusto del artista catalán.

miércoles, 9 de abril de 2014

El pintor José de Ribera para niños

Ribera es uno de los pintores españoles más interesantes de la época barroca. Diríamos que aunque el barroco esta presidido por Velázquez la personalidad de Ribera emerge como el segundo artista más importante del momento después del pintor sevillano.


Si tenemos que componer una pequeña biografía de José de Ribera debemos decir que era valenciano, mas concretamente Xetabense, ya que así firma con orgullo muchos de sus cuadros aludiendo a su ciudad de origen, Játiva. Allí nació en el año 1591 en el seno de una familia modesta, su padre era zapatero.
No sabemos con quien realiza sus estudios, la personalidad más fuerte a nivel artístico en  la zona en ese momento es Francisco Ribalta, aunque las obras de Ribera se alejan fuertemente de las de su supuesto maestro, lo que nos hace dudar esta afirmación.
Muy joven se traslada a Italia, con apenas 20 años aparece en Parma para después viajar a Roma, donde se comenta que llevaba una vida bastante bohemia donde trabaja solo para pagar lo que necesita y donde adquiere varias deudas como consecuencia del juego, quizás esa sea la razón por la que debe abandonar la ciudad perseguido por acreedores y la justicia de la época.
El caso es que en el año 1616 ya se encuentra en Nápoles (recordemos que en ese momento Nápoles era territorio español) donde se casa con una mujer rica y donde permanecerá asentado el resto de su vida, realizando encargos nos solo para esa ciudad sino para muchas ciudades españolas que requieren sus servicios y su buen hacer como pintor. Allí fallecería en el año 1652.
En cuanto a las características de la pintura de José Ribera podemos decir que sufre una fuerte evolución ya que tiene una gran influencia del claroscuro en sus primeras obras, inclinándose por la temática religiosa, pero su estancia en Italia le hace avanzar en su obra para abandonar el claroscuro y llenar de luz sus obras, lo que nos muestra un artista que no se queda estancado sino que busca nuevas formas de expresión, no solo en la técnica sino en la temática, donde se adentrará en la mitología realizando unas obras de los más interesantes.
Siempre se ha acusado a Ribera de ser un pintor de martirios y escenas de dolor, incluso en algunos casos de realizar pinturas desagradables como La Mujer Barbuda, pero nada más alejado de la realidad, Ribera también tiene un lado delicado y bucólico que podemos apreciar en obras como La Purísima que se conserva en la iglesia del mismo nombre en Salamanca o los paisajes napolitanos que se encuentran en la colección de pinturas de la Duquesa de Alba.
En la imagen de la derecha podemos ver una de sus obras más sociales, el Patizambo donde representa un niño pobre que pide limosna en las calles pero que nos muestra una gran sonrisa alegre pese a sus situación física y económica.

domingo, 6 de abril de 2014

El Entierro del Conde de Orgaz de El Greco para niños


Para contemplar esta obra debemos desplazarnos a la ciudad de Toledo y en concreto a la Iglesia de Santo Tomé, que es el lugar donde se encuentra ubicado este magnífico óleo sobre lienzo pintado por El Greco en 1586 aproximadamente
Es una obra muy complicada por la multitud de personajes que aparecen y la cantidad de detalles que incluye el pintor en la misma. Vamos a ir viéndolos poco a poco.
La escena como vemos esta dividida en dos partes, el cielo y la tierra, en esta última se representa un milagro, dos santos, San Esteban y San Agustín, bajan del cielo para depositar el cuerpo del Señor de Orgaz bajo tierra, en ese momento se hallaban presentes un buen número de personas de la sociedad toledana, vemos como en primer plano el sacerdote que oficia la misa parece muy sorprendido y dos monjes a la izquierda del cuadro también están comentando la escena. Reconocemos a San Esteban por su juventud y porque pintado en su traje aparece su martirio cuando le arrojaron piedras hasta matarlo. San Agustín lleva barba como padre de la iglesia.
Hay un niño señalando la escena del milagro para el cual El Greco habría tomado a su propio hijo Jorge Manuel, al niño le sale un pañuelo de uno de sus bolsos, lugar donde El Greco aprovecha para firmar el cuadro con su nombre Domenikos Theotokopoulos.




Entre los personajes que contemplan el milagro y justo detrás del señor de Orgaz se encuentra uno con barba y bigote y una gran cruz de caballero de la orden de Santiago en el pecho, sería una representación de Cervantes, amigo del pintor y que también tiene semejanzas con el cuadro El Caballero de la mano en el Pecho. Detrás del personaje aparece otro que está mirando al espectador, este sería un autorretrato del pintor, que como sabemos solís incluirse en sus pinturas.
La transición entre la tierra y el cielo la hace un ángel que transporta el alma del Conde de Orgaz, Gonzalo Ruiz de Toledo, que como vemos se representa con la inocencia de un niño.
En el cielo Jesús está preparado para juzgar el alma de la persona que llega, Juan Bautista hace la presentación mientras la Virgen intercede para que su Hijo no sea excesivamente duro en su juicio, reconocemos a San Pedro con sus llaves a la derecha de Cristo. Pero es muy curioso que entre todos los personajes que aparecen a la izquierda hay uno que se parece mucho a Felipe II, rey que no había fallecido en el momento de pintar el cuadro y que El Greco ya sitúa en el cielo con el resto de los santos.
Detalles de calidad se aprecian en la armadura del conde que refleja perfectamente la cara de San Esteban.
La entrada a la Iglesia de Santo Tomé no es gratuita, el precio de la entrada para visitar el Entierro del Conde de Orgaz de de 2,50 euros de forma individual y 2 euros reducida para grupos.
Para acercarnos un poco mas a la vida del Greco incluimos un enlace al post El Greco para Niños que incluye detalles de la Biografía de El Greco y también de su evolución pictórica.
Este año se celebra el cuarto aniversario de la muerte del pintor y podemos contemplar diferentes exposiciones y actividades en la ciudad de Toledo, toda la información en El Greco 2014



miércoles, 2 de abril de 2014

La Basílica de la Sagrada Familia para niños

Esta obra del arquitecto Antonio Gaudí comenzada a principios del siglo XX está concluyendo sus trabajos actualmente mostrándose como uno de los edificios más modernos, incluso después de los 100 años que han pasado desde que comenzó su construcción.
Si estudiamos la biografía de Antonio Gaudí vemos que era una persona muy católica y la influencia religiosa se nota en la mayoría de sus edificios, pese a no ser edificios religiosos como el que nos ocupa.
En la planta de la Basílica de la Sagrada Familia, que tiene forma de cruz, se aprecian claramente estas influencias religiosas. El edificio tiene tres fachadas, cada una de ellas dedicada a un episodio de la vida de Jesucristo. La primera que se realizó y que fue la única que Gaudí vio concluida esta dedicada al nacimiento y la infancia de Jesucristo. La segunda que se realizó adornada con esculturas de José María Subirats está dedicada a la pasión y muerte de Jesucristo. Por su parte la tercera que está por concluir esta dedicada a la Resurrección y Gloria de Jesucristo.
Cada una de estas fachadas está rematada por cuatro torres, en una de ellas vivía Gaudí y bajaba diariamente para dirigir las obras, cuatro torres por tres fachadas nos da una total de 12 torres, el mismo número que los apóstoles, por lo que cada torre esta dedicada a los compañeros de Jesús.
En la cabecera hay proyectada una torre de unos 140 metros que está dedicada a la Virgen María y justo en la intersección de las naves y el crucero otra torre de unos 170 metros dedicada a Jesucristo y acompañada por cuatro torres algo más pequeñas que simbolizan cada una a los evangelistas.
Como vemos todo tiene una conexión religiosa, pero si accedemos al interior podremos ver algunas de las principales características del modernismo por ejemplo como se integran arquitectura y naturaleza, llegando a la imitación en unos pilares que semejan troncos y ramas de un árbol que va creciendo para sujetar las bóvedas ovales con las que se cubre el interior.
La Basílica de la Sagrada Familia es un proyecto neogótico pero Antonio Gaudí es capaz de superar este proyecto inicial para transformarlo en un edificio tremendamente original, diferente de cualquier otra cosa vista hasta el momento y como decimos muy moderno pese al tiempo transcurrido desde que se proyectó.
Acceder al interior es caro, la que el precio de la entrada a la Sagrada Familia es de 14,80 euros que llegan hasta los 19,30 euros en caso de estar acompañados por un guía o una audioguía o si queremos subir a alguna de las torres del edificio.


domingo, 30 de marzo de 2014

La Catedral de Granada para niños

Granada proyecta su catedral muy tarde respecto a otras ciudades españolas, pero las peculiaridades de su historia y la presencia musulmana hasta el año 1492 hace que hasta después de esa fecha no se comenzara a proyectar el proyecto de la Catedral y otros edificios de la ciudad.
El primer proyecto de la catedral es de estilo gótico final y fue realizado por Enrique Egas, los reyes católicos habían puesto empeño en que se realizara rápidamente este proyecto para dejar constancia de la conquista,  aunque tras él las obras fueron retomadas por uno de los mejores arquitectos renacentistas que tenemos en España, se trata de Diego de Siloe, que había estudiado en Italia y que traía ideas nuevas a la arquitectura del momento.
De manera que Diego de Siloe convenció al rey Carlos V para cambiar el proyecto, ofreciendo un ambiente completamente distinto entre unas naves cubiertas con bóvedas estrelladas del gótico final y una cabecera totalmente renacentista y con forma de cripta circular cuyo destino sería servir de tumba al emperador Carlos V, rey que finalmente no fue enterrado allí, ya que su hijo Felipe II construyó el Monasterio de El Escorial para que sirviera como tumba de los reyes españoles de la dinastía Austria en adelante.
Diego de Siloe también participó en un proyecto similar en la ciudad de Úbeda, concretamente en la Iglesia del Salvador, con una estructura circular que sirve como lugar de reposo para el cuerpo del secretario de Carlos V, de nombre Francisco de los Cobos.
Recordemos además que en Granada y en un edificio contiguo a la Catedral de Granada, concretamente en su Capilla Real se encuentran las tumbas de los Reyes Católicos y de su hija Juana la Loca y su esposo Felipe el Hermoso. Todo ello nos da la medida de la importancia de la ciudad de Granada tras la conquista de la ciudad por los Reyes Católicos y por su nieto que pasó en la ciudad una temporada tras su matrimonio celebrado en Sevilla con Isabel de Portugal, madre del rey Felipe II.
Tras esta época constructiva, ya durante el barroco, el multiartista Alonso Cano se convertirá en arquitecto de la Catedral y gracias a él conservamos la fachada principal del edificio, una de las vistas exteriores mas conocidas del edificio.
Si queremos visitar la Catedral de Granda los precios son los siguientes, la entrada general cuesta 4 euros, los menores de 10 años y discapacitados tienen la entrada gratuita, los grupos y mayores de 65 años pagan 2,50 euros, los estudiantes granadinos tienen también la entrada gratuita.

Sepulcro de los Reyes Católicos

miércoles, 26 de marzo de 2014

Los cinco pintores españoles más importantes del siglo XX

El siglo XX español es bastante prolijo en lo que arte se refiere, principalmente pictórico, ya que en su nómina incluye varios pintores que son reconocidos a nivel internacional como revolucionarios en sus composiciones e imprescindibles por sus aportaciones a la historia del arte.
Por ello y siguiendo la línea que habíamos planteado con los diez mejores pintores españoles de todos los tiempos vamos a continuar con esta línea con el post que os ofrecemos hoy en el cual hablamos exclusivamente del siglo XX.

Joan Miro


  1. Pablo Picasso: lo bueno de Picasso es que es capaz de revolucionar la pintura del siglo XX con el inicio del cubismo en el año 1907, ya que su obra cubista será una referencia para la mayoría de artistas del momento por lo que tiene de novedoso. Picasso es capaz de ofrecer en pintura algo que la fotografía no puede ofrecer, por ello es reconocido como pintor.
  2. Salvador Dalí: el genio ampurdanés nos sorprende en cada uno de sus cuadros gracias a una imaginación desbordante. Sin duda sus cuadros más interesantes son los realizados entre 1925 y 1929 donde se aprecian todos sus traumas infantiles y cuando tienen lugar sus relaciones con Federico Gracía Lorca y con Luis Buñuel. Dalí fue además capaz de jugar con su imagen para convertir su nombre y su figura en una autentica marca gracias a sus excentricidades y salidas de tono.
  3. Joan Miró. El artista catalano-mallorquín también es un referente del surrelismo junto a Salvador Dalí, pero con un estilo y temática diferente en sus obras. Era el favorito de los pintores surrealistas. Fue capaz de crear un estilo cercano al comic donde se producían todo tipo de situaciones grotescas e imposibles que desatan en ocasiones la hilaridad de la persona que contempla sus cuadros. Quizás Miró sea el pintor mas cercano a los niños por su simplicidad a la hora de pintar.
  4. Antonio Tapies: el artista barcelonés aparece como una referencia del informalismo en España. Sus obras tienen mucha influencia de Joan Miró sobre todo en sus incicios pero el artista es capaz de desbordar esta influencia para componer obras originales y diferentes llenas de símbolos y referentes, muchos de ellos con un sentido espiritual,  al tiempo que incorpora elementos al cuadro.
  5. Manuel Millares: todo el mundo apuntaba a Millares como un genio pero su vida se vio truncada cuando el cancer se cruzó en su camino y falleció en el año 1972. El artista canario fue capaz de mostrar en el cuadro una cuarta dimensión con el "mas allá" rompiendo y mostrando lo que es posible encontrar más allá del lienzo o la arpillera, su material favorito que le sirvió para fabricar sus famosos homúnculos. Sin duda sus cuadros tienen muchísima fuerza contemplados en directo.
Hemos dejado fuera muchos artistas, Antonio Saura completaría el trío de artistas informalistas de la segunda mitad del siglo XX, Juan Muñoz es una referencia en la escultura de este momento, Antonio López y el desarrollo del hiperrealismo (y la lentitud a la hora del pintar a veces transformada en cachaza o vagancia como expresaba el también magnífico pintor José Ramón Amondaraín), Pablo Gargallo y como interpretar la escultura utilizando extraños materiales para la tradición española y ser capaz de mostrarnos un más allá en sus obras. Maruja Mallo como referente del surrealismo y una de las mejores artistas españolas del siglo XX.  y muchos más. Si conoces alguno que debería estar en esta lista puedes dejarnos un comentario.

Manuel Millares. Homúnculo