miércoles, 26 de agosto de 2015

Arte para Niños ya tiene página en Instagram

Dentro de nuestro afán de difusión de la Historia del Arte tanto para los más pequeños como para los mayores, hemos decidido abrir un perfil en Instagram, una red social donde encontramos gran número de jóvenes a los cuales nos interesa llegar con las novedades que aparezcan cada semana en el blog.
Vivimos en la era de la circulación promiscua de la imagen, cada día procesamos más de 2000 imágenes que vemos en diferentes lugares y a través de distintos dispositivos. Instagram solo es un instrumento más de comunicación que nos ayuda a ello.
Tras la positiva experiencia con la página de Facebook de Arte para Niños que ya supera los 3000 seguidores, el perfil de Instagram supone un nuevo paso en la consolidación de Arte para Niños como una página de referencia en la educación y la cultura, llevando información a diario de todo el material relacionado con la Historia del Arte.
Si disponéis de una cuenta en Instagram y queréis seguir el perfil de Arte para Niños solo tenéis que buscar @arteparaninnos y allí nos encontrareis con las imágenes que os interesan.
Esperemos que no sea la última iniciativa, mientras tanto podeís seguir la información semanal en el blog y también en nuestra página de Facebook o canal de youtube.


domingo, 23 de agosto de 2015

Las tres gracias de Peter Paul Rubens

Las tres gracias es una pintura de Rubens que se conserva actualmente en el Museo del Prado. Estaría pintada en torno al año 1636 y fue comprada por el rey Felipe IV tras el fallecimiento del artista en el año 1640 ya que pertenecía a su colección particular.


En esta obra siempre puede hablarse de los cánones de belleza femeninos y como estos van cambiando a lo largo de los siglos y tanto en el siglo XX o XXI dependiendo de la década de la que hablemos, nos encontramos ante un modelo diferente, ya que no son para nada lo mismo la visión atlética de los años 20 con la voluptuosidad de los años 50.
El barroco es la época del teatro y del truco, muchas veces con la finalidad de engañar al espectador, pero en muchos casos nos encontramos ante un movimiento mucho más realista que sus predecesores. Encontramos otra obra de las tres gracias pintada por Rafael Sanzio donde el cuerpo desnudo de las mujeres está por completo idealizado, ya que muestra la perfección de sus curvas y sus carnes. La forma que tienen las mujeres de mirar también es diferente en los dos cuadros, mucho más perdida en la obra de Rafael que en la de Rubens. Frente a esta idea Rubens nos acerca mucho mejor a lo que sería la realidad de la mujer en esa época y también a un canon estético que podría estar de moda a tenor de las muchas veces que repite estos modelos en sus cuadros. Se trata de una belleza mucho más sensual que física.
Las tres gracias representa a las tres hijas del dios Zeus, reunidas creando un círculo acompañadas por un amorcillo en la parte derecha del cuadro, completamente desnudas, la figura de espaldas se apoya en las otras dos y llevan unos velos transparentes que permiten ver cada una de las partes de su cuerpo, como hemos comentado mucho mas cercanas al realismo imperante en la época barroca que a la idealización medieval. Hay quien afirma que una de las mujeres representadas sería la segunda esposa de Rubens, algo muy habitual que familiares o personas cercanas al artista pudieran servir como modelo a la hora de pintar sus obras, ya que muchos pintores barrocos lo harán de esta manera.

Las tres Gracias. Rafael Sanzio

domingo, 16 de agosto de 2015

El pintor Mark Rothko para niños


Consideramos a Rothko como uno de los grandes pintores abstractos del siglo pasado, aunque él no estaría deacuerdo con esta afirmación ya que sus obras tienen un profundo significado que roza lo metafísico y siempre busca la relación entre el cuadro y el espectador.

Si tratamos de contar una pequeña biografía de Mark Rothko debemos decir que nació en Lituania en el año 1903, aunque la mayoría de su vida y sus desarrollo artístico tendrán lugar en Estados Unidos, país al que se traslada su familia cuando el artista contaba siete años, huyendo quizás de una zona donde las condiciones de vida de una familia judía, como la suya, comenzaban a complicarse.

El interés de Rothko por el arte llega de forma tardía, su familia tuvo dificultades económicas (su padre falleció muy pronto) y todos tuvieron que trabajar para poder sacar a la familia adelante. No será hasta los veinte años cuando comience su vocación artística. De hecho acudió becado a la Universidad de Yale, aunque perdió la beca, pero sus estudios no tenían nada que ver con el campo artístico.

La ciudad de Nueva York será decisiva en su obra y el gran ambiente artístico que se vivía en la ciudad durante esos años, prolongados por el éxito del expresionismo abstracto después de la segunda guerra mundial, representado por las obras de Jackson Pollock.

Una aproximación a las obras más conocidas de Rothko nos lleva a la finalidad con la que el artista los compone, por ejemplo que sus obras son trabajos para reflexionar, tratando de establecer una relación entre las obras y el espectador. Son trabajos que aluden a la inmensidad del universo y la pequeñez del ser humano, se trata de un espacio de dimensiones inabarcables, donde lo religioso se hace presente. Rothko pertenece a una generación de artistas que tratan de introducir a través de sus obras la filosofía oriental, concretamente el budismo, ellos daban mucha importancia al vacío, algo que estaba en el ambiente en el cual se desarrollan las obras de Rothko.

Para tener una mejor relación con la obra Rothko pensaba en la mejor manera de colocar sus cuadros, le gustaba personalmente que el punto de vista de la obra fuera bajo. Las obras no tenían marco y prefería una iluminación natural a artificial, ya que esta última hacía perder algunos de los matices de la multitud de colores en gradación utilizados en sus obras.

Rothko no se consideraba un artista abstracto, ya que eso no era lo importante para él sino aquellas emociones que pudieran extraerse de la contemplación de sus obras, emociones humanas como el miedo, la inmensidad, el extasis, el destino, la tragedia. Rothko decía que “la gente que llora delante de mis cuadros vive la misma experiencia religiosa que yo sentí al pintarlos. Si usted solo se fija en el color y sus relaciones, se le escapa lo decisivo”.

Los colores utilizados por Rothko en sus obras van cambiando según va avanzando su vida, al final se volverán bastante grises y oscuros fruto de una profunda depresión que le llevara al suicidio, cosa que sucedió el 25 de febrero de 1970, con él se pierde uno de los grandes artistas del siglo XX.

domingo, 9 de agosto de 2015

El rapto de Europa de Pedro Pablo Rubens

De acuerdo con la mitología griega Europa era una bella mujer que vivía en la ciudad de Tiro. Un nombre interesante para una mujer porque finalmente ha terminado dando nombre a nuestro continente.


El dios Zeus se enamoró de esta mujer y para conseguir su amor se convirtió en un toro de color azul que se mezcló con otros animales que tenía el padre de la chica.
En un momento que Europa se encontraba recogiendo flores se acercó al toro y comenzó a acariciarle el lomo. Cuando se dió cuenta que que toro no era bravo se montó encima de él. Ese fue el momento que Zeus aprovechó para entrar en el mar y nadar con Europa sobre sus lomos hasta la isla de Creta.
En Creta Zeus reveló su identidad y Europa se convirtió en la primera reina de la isla. Tuvo tres hijos con Zeus, alguno de ellos con un papel importante en las historias de  la mitología griega, como el primero de ellos de nombre Minos. Los otros dos se llamaban Ramadanis y Sarpedón.
En el cuadro de Rubens podemos  observar como el toro arranca tras notar la presencia de Europa sobre sus lomos, mientras las mujeres que acompañaban a Europa permanecen sorprendidas en la orilla. En el mar vemos la figura de cupido sobre un delfín en una representación de la impaciencia del amor o el amor que no puede esperar, mientras en la parte superior dos ángeles o amorcillos que sostienen arcos y flechas en sus manos anuncian el éxito del dios Zeus en sus propósitos.

Imagen que representa el rapto de Europa realizada en el siglo IV a.c.

domingo, 2 de agosto de 2015

El Cristo de cuatro clavos en la iconografía hispana

La extraña representación de la figura de Cristo crucificado con cuatro clavos comienza a verse en España a principios del siglo XVII y asociada a la ciudad de Sevilla, concretamente a Francisco Pacheco, que en su libro El Arte de la Pintura recomendaba realizar la figura de Cristo de esta guisa cuando hubiera que representar este tipo de escena.

Alberto Durero. Calvario

Según la tradición sevillana en el año 1597 Juan Bautista Franconio trajo de Roma un Cristo de bronce atribuido a Miguel Angel que estaba representado con cuatro clavos, este sería el modelo utilizado por Juan Martínez Montañes para realizar el Cristo de los Cálices en el año 1604, una escultura conservada en una de las capillas de la Catedral de Sevilla, donde puede contemplarse ahora mismo. Ahora, debemos tener en cuenta que las dos figuras de las que hablamos tenían un clavo para cada uno de sus pies, pero los pies estaban cruzados siguiendo las revelaciones de Santa Brígida.
El Cristo que presenta Francisco Pacheco por el contrario en vez de tener las piernas cruzadas tiene las piernas paralelas, así que debemos buscar el modelo de inspiración en otra parte. Y es que Francisco Pacheco se fija en un grabado de Alberto Durero realizado en el año 1523 y que se conserva actualmente en el British Museum de Londres, allí podemos apreciar la figura de Cristo con cuatro clavos, las piernas paralelas y los pies apoyado sobre una pequeña tabla que le ayuda a sostener el peso de su cuerpo y hace la figura mucho más liviana y descansada que si no tuviera nada con lo que sostener el peso de su cuerpo. El Cristo aparece acompañado por las Tres Marías y San Juan, tal como está descrito en el Nuevo Testamento.
Este grabado será interesante no solo para el modelo de Cristo crucificado, ya que Pacheco realizará uno igual que conservamos a día de hoy en la Galería de los Uficci.
Este modelo de Cristo crucificado tendrá gran influencia sobre todo en la escuela sevillana del momento, que vive un momento de esplendor con grandes artistas en sus filas. 
Diego Velázquez pintará dos figuras de Cristo de esta guisa que se conservan en el Museo del Prado, una de ellas representando a Cristo muerto y otra en la que el Cristo se encuentra vivo y con cara de amargura, levanta la mirada al cielo parece que pidiendo algo.
Alonso Cano tambien pintó una obra similar que se conserva actualmente en el Museo de Bellas Artes de San Fernando.
Zurbarán también tiene un Cristo muy similar, con cuatro clavos y con apoyo, uno de ellos se conserva en el Art Museum de Chicago y otro en el Museo de Bellas Artes de la ciudad de Sevilla.
Otros artistas se sentirán atraidos por este modelo, por ejemplo Francisco de Goya, que, años mas tarde, e inspirándose en Velázquez, también realizará un Cristo vivo que tiene muchas semejanzas con su modelo de inspiración.
Así que, como podemos comprobar, aunque no es un modelo que llegara a la mayoría de autores españoles del barroco o posteriores, si tuvo su influencia e importancia, entre los artistas que estudiaron en Sevilla en esa época o bien entre otros que se sintieron influenciados por estos artistas a la hora de realizar obras con una iconografía similar.
La obra de Francisco Pacheco que podemos ver a la derecha se puede fechar en el año 1614, como vemos unos años mas tarde que la realizada por Juan Martínez Montañés y mucho antes de su gran libro dedicado al Arte de la Pintura, que vería la luz en 1641.

Cristo en la Cruz. Diego Velázquez

domingo, 26 de julio de 2015

La promiscuidad de la imagen y los medios de comunicación

Vamos a ilustrarlo con dos ejemplos que pueden servirnos perfectamente. El primero trata sobre una imagen muy difundida curiosamente solo en España pero que en la Edad Media sirvió como símbolo de la reconquista española, estamos hablando de la imagen de Santiago Matamoros


Ello nos lleva a una historia legendaria donde la ficción se mezcla con la realidad y posiblemente hace que suceda en un solo día lo que en realidad aconteció en siete años (o quizás mas). Estamos hablando de la batalla de Clavijo que tuvo lugar en el año 844 y donde (supuestamente) se apareció Santiago para ayudar a los cristianos contra los pérfidos musulmanes. El rey Ramiro I acudió a la batalla con su ejercito y su bandera blanca con una cruz roja inscrita en la parte central. Los musulmanes tenían mejor ejército y contaban con mucha gente llegada desde Marruecos para ayudarles. En la ciudad de Clavijo, cuando el rey se encontraba durmiendo, el apóstol se le apareció y le dijo que él era el protector de España. Le anunció que ganaría la batalla al día siguiente y que la gente podría verle luchando vestido de blanco, montado en un caballo del mismo color y portando una bandera blanca en sus manos.


El rey Ramiro contó su visión a los caballeros, obispo y ejército. Por la mañana las tropas estaban seguras de su victoria y con el nombre de Santiago en sus bocas se prepararon para entrar en combate. En medio del enfrentamiento Santiago apareció y los cristianos ganaron esa importante batalla ese día. 
Posiblemente toda la historia es falsa al igual que el impuesto que los cristianos dejaron de pagar tras esta batalla y que consistía en la entrega de 100 mujeres vírgenes anuales para los nobles musulmanes de la ciudad de Córdoba. Es posible que hubiera muchas batallas en una zona de paso como era La Rioja en ese momento, el control de las carreteras y comunicaciones es vital en cualquier batalla y, como decimos, puede que estemos hablando de siete años de diferentes campañas. 
Pero todo esto no importa porque lo importante es lo que la gente pueda llegar a creer y esta historia sirve para reforzar, no solo la moral del ejército, sino también la de muchos creyentes a los que se les explica lo sucedido a través de imágenes escultóricas o pictóricas. Se usan las imágenes con un fin concreto, buscando la extensión de una idea, que convierta en símbolo algo que realmente ofrece muchas dudas sobre su veracidad. 
El segundo ejemplo nos sirve para confirmar la reafirmación del poder a base de retratos, como el que Velázquez realiza del Conde Duque de Olivares, valido del rey Felipe IV y verdadero gobernante del país debido a la desidia del monarca. Montado en su caballo, el bastón de mando nos indica que es una persona que tiene y ejerce el poder, con una mirada incisiva e incluso desafiante para aquel que se le ocurra cuestionar su posición de privilegio. 
Es solo un ejemplo de los miles que podemos encontrar a lo largo de la profusa sucesión de imágenes artísticas. 
Pero con la llegada de los medios de comunicación de masas la situación comienza a cambiar, el arte ya no sirve para expresar estas convicciones y serán estos medios aceptados por la gente los nuevos lugares donde estas expresiones de poder y engaño tengan lugar
Eso permite al arte tener un nuevo desarrollo, diferente del papel que había desempeñado hasta ese momento. Se trata de una libertad que quizás jamas se tuvo y que a partir de ese momento permite al artista expresarse como realmente le viene en gana y experimentar para ofrecer novedades que asociamos a muchos de los estilos que tienen lugar con el nacimiento de las vanguardias históricas a principios del siglo XX. 
Serán los periódicos, la radio, el cine, la televisión donde se libren las batallas por contar historias que manipulen a la gente y tenga lugar esa eterna lucha por el poder que consiste, como hemos expresado alguna vez, en mentir y hacerlo mas que nadie hasta que tus seguidores te aclamen de tal manera que puedas jugar con ellos como autenticas marionetas aunque estés diciendo lo contrario de lo que expresabas hace cinco minutos. 


Quiero poner un ejemplo que me parece clarificador y que forma parte de una experiencia personal pero que se adapta perfectamente a lo que estamos diciendo.
Conozco una persona a la que considero inteligente, no tiene una gran profundidad y sus valores se basan mas en el placer que en la amistad, pero es listo y orgulloso. Debemos situarnos en los preámbulos de la guerra de Iraq, cuando George W. Bush buscaba aliados para su inminente invasión y encontró en Europa los amigos que necesitaba para llevar a cabo su plan, entre los que se encontraban el premier del Reino Unido, Tony Blair y el Presidente del Gobierno español, José María Aznar. Este último anunció su apoyo a los aliados americanos basándose en la presencia de armas de destrucción masiva en Iraq (algo que no era nuevo y que el presidente americano no paraba de repetir), unas armas que podían destrozar la convivencia en occidente y acabar con nuestro "maravilloso" sistema de vida, cargado de libertad y derechos. Estas declaraciones vinieron acompañadas de un documental en la cadena pública de televisión reproducido en horario de máxima audiencia, donde se enseñaban los efectos de esas armas de destrucción masiva que acumulaba el gobierno de Iraq que incluían todo tipo de enfermedades, deformidades y muerte general, el fin del mundo tal como lo conocemos en la actualidad. No tuve la oportunidad de ver el reportaje, bien es verdad que no planteaba en mi ningún interés, ya que he sido bastante escéptico en este y otros aspectos desde el principio. Pero mi conocido, algo banal pero inteligente, se presentó al día siguiente en nuestro lugar de encuentro completamente blanco y no quería mas que hablar de lo que el día anterior había visto en televisión, donde componentes químicos de todo tipo destruían rostros y miembros de seres humanos inocentes que se dedicaban a trabajar en libertad y disfrutar de sus derechos civiles. Se convirtió en un firme defensor de la invasión, si no fuera edonista y supiera que podía perder la vida, le veía al día siguiente alistado para combatir semejantes monstruos. Si este era el pensamiento de una persona inteligente y formada, aunque banal y epicúreo en su comportamiento, que sucedería con el gran grupo que carece de formación y que no son tan inteligentes para plantearse y analizar que estaban sufriendo una manipulación apoyándose en los medios de comunicación de masas. 
Como quedó demostrado las armas de destrucción masiva no existían, pero eso es algo que se descubrió después, quizás en un momento en el que la conversación de moda giraba en otro sentido, con lo cual los aliados realizaron un ataque preventivo sobre población civil y militar, que no sirvió mas que para desestabilizar un poco más la zona y enardecer a los islamistas radicales que exactamente igual que los otros, es decir manipulados, entregan su vida por el bien de unos ideales por los que, por supuesto, no merece la pena morir, ni por estos, ni por cualquier otros
Y volvemos sobre el concepto de mentira y poder que caminan firmemente unidos como perfectamente podemos comprobar desde el principio de los tiempos, en ocasiones unidos al mundo del arte, hasta que fue desbancado por otro elemento con mucho mas poder de persuasión como son los medios de comunicación, auténticos enemigos de la inteligencia y de la verdad, ya que, en la mayoría de los casos, sirven a los intereses del poder cuando no a los suyos propios

Adel Abidin. Memorial 2009